LA MUERTE Investigación médica
La luz al final del túnel, el último enigma de la mente humana
'La muerte de Casagemas', de Pablo Picasso. | El Mundo
Proponen diversas explicaciones para las experiencias cercanas a la muerte
Podrían deberse a una compleja mezcla de efectos químicos en el cerebro
Otras hipótesis apuntan a la psicología o a los misterios de la física cuántica
Ángel Díaz | Madrid
Actualizado domingo 13/11/2011 05:42 horas
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A lo largo de la vida, la mente nos puede jugar malas pasadas o hacer ver cosas que no están allí: desde la sensación de parálisis que acompaña a algunas pesadillas hasta la percepción de haber abandonado el cuerpo. Es relativamente común recordar experiencias que tradicionalmente han sido consideradas como paranormales, aunque en realidad pueden deberse a estados profundos del sueño, la acción de ciertas drogas o a vivencias traumáticas que inducen cambios en el cerebro.
La experiencias cercanas a la muerte, tal y como las refieren algunas personas que han sufrido un paro cardiaco o han estado a punto de morir, podrían definirse como un compendio de todas estas anomalías: los pacientes perciben que su conciencia escapa de su propio cuerpo, vislumbran un túnel negro con una luz al otro lado, se sienten rodeados de presencias que identifican como espíritus, ángeles o fantasmas; y, a menudo, les acompaña una sensación de plenitud o estado de euforia.
Estos recuerdos, que se han observado y recogido en hospitales de todo el mundo, han sido interpretados habitualmente desde un punto de vista místico, religioso o paranormal, pero varios grupos de expertos opinan que deberían incorporarse al estudio académico. Algunos científicos consideran, de hecho, que la neurología y la psiquiatría actuales ya cuentan con herramientas suficientes para explicar el fenómeno, que sería la suma de una serie de experiencias cerebrales extremas provocadas por la propia cercanía de la muerte.
Los investigadores británicos Dean Mobbs, del Medical Research Council de Cambridge, y Caroline Watt, psicóloga de la Universidad de Edimburgo, elaboraron un estudio que repasaba varios de los síntomas más extendidos en las experiencias cercanas a la muerte y ofrecía una explicación biológica factible para cada uno de ellos. La percepción de encontrarse en un tunel, por ejemplo, puede deberse a fallos en la visión periférica, ocasionados por la carencia de oxígeno en el cerebro que se produce tras sufrir un paro cardiaco.
Carencia de dopamina
Las visiones de espíritus o fantasmas podrían estar relacionadas, según estos autores, con otro efecto neurológico: la escasez de dopamina. Este neurotransmisor también se encuentra en muy bajos niveles en los pacientes de Parkinson, los cuales sufren alucinaciones, delirios y otros síntomas psicóticos que podrían asociarse a la referida sensación de encontrarse rodeado de ánimas.
Sin embargo, los pacientes que han vivido una experiencia cercana a la muerte no la suelen recordar como un mal trago, sino que dicen haber sentido una calma total y un estado de plenitud, dispuestos a acoger con alegría lo que fuera que les esperara al final del túnel. Pero Mobbs y Watts recuerdan que estas sensaciones también pueden derivarse de desarreglos neuronales.
Por ejemplo, la ketamina, un anestésico veterinario que se emplea como droga recreativa, provoca entre sus usuarios sensaciones de entusiasmo y euforia -además de otros peligrosos efectos- y en ocasiones se han registrado experiencias cercanas a la muerte, incluida la percepción de abandono del propio cuerpo, por parte de los consumidores de esta sustancia.
"Pese a las creencias populares, las investigaciones sugieren que no hay nada paranormal sobre estas experiencias", concluían los autores en su estudio, publicado en 'Trends in Cognitive Sciences'. "Por el contrario, las experiencias cercanas a la muerte son la manifestación de las funciones normales del cerebro cuando se estropean, durante un suceso traumático y, a veces, inofensivo", añaden.
Una nueva ciencia de la mente
Otros expertos opinan, por el contrario, que las experiencias cercanas a la muerte son demasiado complejas para que nuestro actual -y limitado- conocimiento neurológico pueda ofrecer una explicación exhaustiva del fenómeno. Lo cual no quiere decir que deban relegarse al campo de lo paranormal.
El problema radica, más bien, en que sería necesario un nuevo paradigma científico del cerebro para poder entender cabalmente lo que sin duda es una de las experiencias más extremas a las que debe enfrentarse nuestra mente: la contemplación, desde un estado de inconsciencia, de su propia extinción física. El cardiólogo británico Sam Parnia, que ha realizado varios estudios con decenas de supervivientes a paradas cardiacas, defiende que las percepciones narradas por quienes han atravesado esta vivencia escapan al ámbito de la actual neurología.
En un informe publiacado en 2001, junto al psiquiatra Peter Fenwick, el doctor Parnia relataba una serie de experiencias que no podrían explicarse como un mero episodio de confusión o alteración neuronal. Algunos pacientes, argumentaban estos autores, daban "detalles específicos relacionados con las técnicas de resurrección, verificados por el personal del hospital, que no pueden, sencillamente, explicarse de esta forma". "Para que estas memorias se formaran", insisten, "una forma de conciencia debió estar presente durante la parada cardiaco".
Parnia y Fenwick sostienen que, pese a la reducción del flujo sanguíneo y de las funciones cerebrales que sufren los pacientes, las experiencias cercanas a la muerte que relatan "no son confusas". Por el contrario, manifiestan "elevados niveles de conocimiento, atención y conciencia, en un momento en que la conciencia y las memorias no deberían ocurrir", según los investigadores. "Una nueva forma de pensar es necesaria para proporcionar una nueva perspectiva de esta intrigante, aunque ampliamente desconocida, área de la ciencia", concluyen.
El cerebro cuántico
Una de las vías para reformar la ciencia de la mente más populares en los últimos años -aunque de limitada penetración en el ámbito médico- ha sido la propuesta por el prestigioso físico y matemático Roger Penrose, quien sostiene que los fenómenos aparentemente inexplicables de la mente humana se deben a la naturaleza cuántica de la misma.
Algunos autores, como el psicólogo Bruce Greyson, de la Universidad de Virginia (EEUU), defienden que una teoría cuántica del cerebro podría explicar las experiencias cercanas a la muerte desde una perspectiva "que desafíe al reduccionismo materialista", aunque no por ello paranormal. Las experiencELMUNDOias cercanas a la muerte y otros fenómenos de la mente requerirían, según Greyson, "de una psicología revisada, que no esté anclada en la física clásica del siglo XIX sino más bien en la física cuántica del siglo XX, la cual incorpora la conciencia en su formulación conceptual".
Pero todas estas reflexiones académicas quedan lejos, en realidad, de la práctica médica diaria. Lo habitual es que un paciente que ha sido resucitado tras un paro cardiaco no comente sus percepciones -si es que las tuvo- con el personal sanitario, y se muestre desorientado y confuso durante un tiempo, hasta que recobra por completo la conciencia. El doctor Francisco José del Río, intensivista en el Hospital Clínico San Carlos de Madrid, explica que "lo más normal es que no recuerden nada; suelen tener un espacio en blanco".
"A veces hay cuadros estructurados de algo parecido a lo que es un delirio, pero sin tener una idea muy clara de qué es lo que ha pasado", comenta este especialista a ELMUNDO.es. "Yo llevo muchos años en esto y no he oído nunca a nadie que hable de una luz al final del túnel. Algunos dicen que recuerdan haber visto al equipo que les atendía: probablemente están mezclando recuerdos de cosas que han visto con lo que se les cuentan". Hay que tener en cuenta, recuerda Del Río, que "no es un despertar fisiológico como el que tenemos por la mañana todos los días", sino que los pacientes han recibido fármacos que pueden afectar a sus percepciones: "No se puede sentir con claridad qué está pasando", insiste.
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EL MUNDO ES
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alma está en la red del cerebro1 comentario
Se pensaba que los recuerdos estaban alojados en distintos módulos cerebrales
Para Fuster la memoria surge de la interconexión de la red que es el cerebro
En Redes, Punset y Fuster charlan sobre la creación de los recuerdos
Este domingo, 13 de noviembre, a las 21.30 horas, en La 2
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Joaquim Fuster, profesor de Psiquiatría, Universidad de California, Los Angelestve
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Redes
Eduard Punset y su equipo han logrado demostrar que ciencia y entretenimiento se pueden unir para que en este tercer milenio la ciencia, por fin, irrumpa en la cultura popular.
El programa se emite en La 2, todos los domingos, a las 21:30 horas; y se repite los domingos, a las 3:15 horas.
y en el Canal 24 horas, según el siguiente horario:
Los jueves, a las 15:00 horas
Los viernes, a las 21:00 horas
Los sábados, a las 10:30 horas
EDUARD PUNSET (REDES)
11.11.2011
Antes se pensaba que las ideas, los recuerdos o los conocimientos estaban alojados en distintos módulos cerebrales.
El neurocientífico español radicado en los Estados Unidos, Joaquim Fuster, fue uno de los primeros en desafiar este concepto y proponer que la memoria surge de la interconexión de la gran red que es el cerebro.
En este capítulo de Redes, Punset y Fuster charlan sobre la creación de los recuerdos y sobre los distinto tipos de memoria.
También desarrollamos los 12 consejos del neurocientífico Paco Mora para mantener un cerebro saludable.
La solidez y durabilidad de un recuerdo están relacionadas con
las circunstancias emocionales en las que se lo ha adquirido.
Joaquim Fuster
Eduardo Punset:
Joaquín, vamos a ver, hay una cosa en materia de cerebro que me ha preocupado toda la vida. Y estoy seguro que nuestra audiencia estará encanada también de descubrir, por fin, qué es lo que nos pasa por dentro.
el motivo por el que una memoria es tan firme, tan sólida y tan duradera, son las circunstancias emocionales en que se adquirió la memoria
A mí me cuentan, me contáis, los médicos y los físicos... que, efectivamente, se me van muriendo las neuronas, que las células se renuevan...
Y, sin embargo, oye, la memoria de una cara, de una persona me queda forever, me queda para siempre. Puedo llegar a los 80 años y allí está. ¿Dónde está? ¿Dónde se pone? ¿Dónde guardo este recuerdo en células que han muerto o desaparecido?
Joaquim Fuster:
En primer lugar, el motivo por el que una memoria es tan firme, tan sólida y tan duradera, el motivo principal, son las circunstancias emocionales en que se adquirió la memoria, en general.
Se forman firmemente con las emociones, con el clima emocional en que se adquieren las memorias. Además, en el curso de la vida se ejercitan estas memorias, repetidamente.
Tipos de memoria
Luego hay otro factor importante, que es el tipo de memoria que queda. Hay muchas clases de memoria. Está la memoria semántica, más bien abstracta, del conocimiento.
Luego está la memoria episódica de los detalles, de la vida, del nombre, de la cara. Se van ejercitando en el curso de la vida y así subsisten.
Claro, al mismo tiempo, se van debilitando algunas de estas conexiones y se pierden memorias y se pierden neuronas y se pierden sinapsis, pero se van creando nuevas. Entonces, el truco para adquirir nueva memoria es el ejercicio, el ejercicio del cerebro.
Eduardo Punset:
Claro yo a mis alumnos y, en general, a la gente, siempre le digo, oiga, además del ejercicio físico... Porque les veo allí que hacen jogging...
Joaquim Fuster:
Claro... No... Es la gimnasia mental
Eduardo Punset:
Claro... No se olviden de la gimnasia mental
Joaquim Fuster:
Exactamente...
Eduardo Punset:
Oye, hablabas de distintos tipos de memorias. Y, no sé por qué, me acuerdo de una que me hizo gracia. Y es cuando me pongo la camisa, por ejemplo por la mañana, a lo mejor me pica algo de la camisa, pero al cuarto de hora me he olvidado.
El cerebro tiene que inhibir las memorias que no vienen al caso
Joaquim Fuster:
Te has olvidado, y es que la suprimes, y es que la inhibes. El cerebro tiene que inhibir las memorias que no vienen al caso…
Eduardo Punset:
Para poder dejar espacio...
Joaquim Fuster:
Exactamente, para dejar espacio y para dejar vitalidad a las que son importantes en aquel momento.
Eduardo Punset:
Leyendo tus cosas... Hay algo… Hoy eres… Bueno, no te lo voy a decir a ti, pero eres uno de los grandes neurólogos.
Joaquim Fuster:
Muy pequeñito.
Eduardo Punset:
De verdad, ¿eh? Has sido el primero en cantidad de cosas.
Y en una cosa que fuiste el primero fue en constatar que realmente lo que tú llamas el conocimiento no estaba fijo, o inserto o localizado en una parte especial del cerebro.
Era lo que llamabais, me parece, la concepción modular del cerebro. Y dices esto es el pasado… ¿Por qué lo sustituyes, eso?
La red neuronal
Joaquim Fuster:
Por la red. La red es la clave.
La red neuronal, sobre todo las redes de la corteza cerebral, son la base de todo el conocimiento y de toda la memoria.
Se forman a lo largo de la vida con la experiencia por el establecimiento de conexiones entre neuronas.
Entre neuronas que pueden estar agrupadas en grupos pequeños, sobre todo en las zonas primarias sensoriales y motoras que pueden llamarse módulos, si tú quieres. Es decir, los módulos están en la base.
Es el ver, es el tocar, es el oír, es el moverse, pero la conciencia del conocimiento, y la conciencia de la memoria, está en la red. Que es la agrupación.
La red neuronal, sobre todo las redes de la corteza cerebral, son la base de todo el conocimiento y de toda la memoria
Eduard Punset:
Es relacional.
Joaquim Fuster:
Es relacional. El código de la memoria, el código del conocimiento es un código relacional, es un código de relaciones, lo más cercano que hay a ello desde el punto de vista psicológico es la psicología de la Gestalt, la psicología de la forma.
Una cosa se ve, tiene sentido y significado por las relaciones entre sus partes.
Pero el total, el significado de aquel objeto, lo definen las relaciones entre las partes, y no es reducible a las partes en sí.
Es decir, que el todo es mucho más que la suma de las partes.
Eduardo Punset:
Y una neurona puede ser el centro de muchas cosas...
Joaquim Fuster:
¡Oh, claro! De muchas... Las redes neuronales del conocimiento, debido al hecho que se forman por asociación, todas ellas, y por vivencia, comparten células y grupos celulares.
Es decir, un grupo celular puede ser parte de muchas redes, de muchísimas redes.
Las redes neuronales del conocimiento, debido al hecho que se forman por asociación, todas ellas, y por vivencia, comparten células y grupos celulares
Eduardo Punset:
O sea, corrígeme… A ver si he entendido bien. Si yo me fijo en la estructura de la neurona para saber qué pasa con el conocimiento, no voy a ir muy lejos....
Joaquim Fuster:
No vas a ir muy lejos, no.
Eduardo Punset:
¿Por qué?
Joaquim Fuster:
Porque el código de la cognición es un código relacional a nivel de la red. Y es irreducible a las partes.
Es decir, hacer lo que tú decías sería como pretender entender el significado de lo que dice la carta escrita estudiando la composición química de la tinta. ¿Comprendes?
No la entenderás nunca porque el lenguaje escrito o hablado es un lenguaje relacional, es un código relacional: relaciones entre letras, entre palabras, entre significados semánticos. Es decir, no se puede reducir a sus partes mínimas...
el código de la cognición es un código relacional a nivel de la red
Mis memorias son distintas de las tuyas porque las relaciones se han formado de modo distinto con elementos aleatorios que son distintos para mí y para ti, pero compartimos ciertas redes en común, que son las redes de la cultura, el ambiente en que hemos vivido, las leyes del léxico, del lenguaje.
Eso queda y está por encima de todo porque es el resultado de la repetición de redes más chicas, más pequeñas, que están en la base de esas redes.
Porque están organizadas de modo jerárquico, ¿entiendes? A nivel más bajo está la memoria sensorial, motora, primaria. Esta sí que se puede reducir a módulos, ¿entiendes? Ciertas partes del cerebro... Pero cuando nos salimos de allá y subimos a las zonas asociativas de la corteza, la memoria se va haciendo más interconexa, más compleja, más amplia y más difusa. Esto también le da solidez, porque pueden perderse algunas de las vías de acceso a ella, pero otras quedan.
Tú te fijas muy bien que, cuando te encuentras que no recuerdas el nombre de una persona, empiezas a tantear en tu mente las distintas circunstancias en que la has visto para poder enganchar con aquella asociación y aquello te lleva a ello.
Desgraciadamente, de todos modos, a veces, cuanto más buscas, menos recuerdas. Esto es el factor emotivo, la inhibición que te hace...
Eduardo Punset:
Olvidar algo que no quisieras recordar...
Joaquim Fuster:
Exacto, es justamente lo que no...
Eduardo Punset:
Oye, tú has hablado en algún lugar, no sé dónde, de lo que es el conocimiento perceptual que supuestamente está en la parte posterior de la cabeza y lo distingues del...
Joaquim Fuster:
Ejecutivo...
Eduardo Punset:
Del cognitivo, complejo...
Joaquim Fuster:
Exacto...
Eduardo Punset:
Por el que guías realmente el quehacer de cada día... ¿Esto es así o...?
Joaquim Fuster:
En líneas generales es así. Hay relaciones entre los dos sectores muy íntimas, como es natural, porque los dos participan en el ciclo percepción-acción. Percibo y esto educa, informa, mi acción. Mi acción produce cambios en el medio ambiente. Y estos los percibo. Con lo cual se realimenta el sistema.
Eduardo Punset:
Oye... Dime, por ejemplo, tú percibes una persona amiga que, además, es muy bella y muy inteligente y esto lo percibes supuestamente con tu...
Joaquim Fuster:
Con mis redes neuronales, sobre todo de la corteza posterior... Y también con líneas de influjo de los centros emocionales del cerebro y de la estética.
Estos colorean mi visión de aquella persona. Y, además, se relacionan con la memoria que tengo yo de aquella persona, o de otras parecidas, para informar cómo tengo que reaccionar en aquel momento a aquella persona.
Entonces entran en función las redes anteriores de la corteza frontal...
Eduardo Punset:
Estas...
Joaquim Fuster:
Exactamente... E informan y modulan mi conducta, mi lenguaje.
Eduardo Punset:
Un psiquiatra como tú... ¿Intuíais que el cerebro era algo tan sofisticado, tan complicado con sus fases, sus relaciones, sus percepciones iniciales...?
Joaquim Fuster:
Yo sí lo intuía, con toda humildad te lo digo... Y por eso me fui a estudiarlo en otro lugar, porque no se podía estudiar en España...
Eduardo Punset:
¿Por qué estudiabas? Porque tú fuiste conocido primero porque descubriste la célula de la memoria...
Joaquim Fuster:
Las células de la memoria... Perdón, plural...
Eduardo Punset:
Esto... Las células en los primates... ¿Y por qué? ¿Por qué estudiabas las células, las neuronas, de los primates?
Joaquim Fuster:
¡Ah! Pero las estudiaba en un contexto... Las estudiaba en animales que hacían su conducta normal y corriente.
De esta manera adquirí el conocimiento de que en ciertas partes de la corteza cerebral existían unas células que mantenían la información de un objeto sensorial, visual o auditivo, durante segundos o minutos hasta que el animal hacía su acción.
En este caso, discriminar entre dos colores... Y para conseguir una recompensa, lo que fuera, ¿no?. Esta es la memoria que llamamos memoria de trabajo.
Eduardo Punset:
Working memory...
Joaquim Fuster:
Working memory... Y esta working memory no es un tipo especial de memoria, lo que es, es memoria a largo plazo que se usa ad hoc en aquel momento... pues tal día, diríamos, para ejercer una acción o resolver un problema para...
Este "para" es importante, es para algo que se recuerda. Pero en el uso de esta memoria, uso yo la memoria a largo plazo que tengo ya allí preformada sólo con variaciones que son "aducentes" a lo que tengo que hacer en aquel momento, ¿no?
Eduardo Punset:
¿Qué hacemos con el cerebro?
Joaquim Fuster:
Nos ajustamos al medio ambiente.
El cerebro es la interfase que hay entre nosotros y el medio ambiente.
Cuando digo el medio ambiente no quiero decir sólo el ambiente externo, sino el ambiente interno, el milieu interno.
Entonces, en el curso de la evolución, se ha desarrollado sobre todo la corteza muchísimo, muchísimo.
Y en el ser humano ha adquirido propiedades muy peculiares que le permiten dos cosas fundamentales, dos, dos: una es el lenguaje, es un medio de ajuste al medio ambiente, y la otra es la predicción.
Es decir, que todas las funciones que llamamos ejecutivas, todas tienen un futuro, todas: la memoria de trabajo, el planeamiento, la toma de decisiones, la conciencia creadora.
Todas miran al futuro. Voy a hacer esto para esto, para esto, para esto... Tengo que hacer esto... Tengo que decidir... Tengo que, "ten
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Isaac Conde
asi tal como ve el almacenamiento de los recuerdos en el cerebro es como yo veo el universo, llevo toda mi vida sintiendo que el universo cuantico es una red que no se puede interpretar a no ser que veas fracciones de toda la informacion de cuerto tamaño, Me inclino a pensar que cada vez que vemos el universo cuantico solo estamos viendo letras sueltas y nos falta saber el orden cosa que solo vemos una vez que nos alejamos por eso en nuestra dimension tiene sentido ay a nivel cuantico no. ademas de que las particulas viajen mas rapido que la luz y por eso no las veamos o se comporten de manera extraña, pero con mucha seguridad puedo decir que cuando vemos a nuestro nivel lo vemos todo con orden porque estamos leyendo un codigo y que si variamos nuestra perseccion a menos no entenderemos nada creo que para comprender bien el magnetismo lo `rimero es ver el mensaje completo y ahun no sabemos siquiera si el universo tiene limites... no vemos la totalidad del mensaje... Para poder comprender la totalidad del cerebro hay que estudiarlo en dos dimensiones y ver "cual es la letra A" en el abcdario de las neuromas...
ayer 22:31h
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Sunday, November 13, 2011
ISADORA DUNCAN POR ELLA MISMA EN EL CINE MUDO
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El baile de una diosa BY
IKER SEISDEDOS 13/11/2011
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Es una estrella de la danza mundial. Acaba de cumplir en la plenitud de su madurez una década como primera bailarina del royal ballet de londres. La crítica y la afición vibran con su talento. Y a ella aún le queda mucho por bailar. La española Tamara Rojo se plantea un nuevo sueño: dirigir la compañía que ha sido testigo de sus mayores triunfos.
Tamara Rojo, la diosa del ballet, la chica que vació el cuerpo para bailar el alma, el cisne de las piruetas y la acróbata poética de la tenaz entrega, siempre, incluso a mitad de su vuelo más imposible, tuvo los pies en el suelo. En todo este tiempo acompañó su legendaria capacidad para clavar su figura menuda, esculpida en duro linóleo, y encadenar 10, 20, 30, decenas y decenas de giros sobre sí misma, con la fama de niña prematuramente cabal. Por eso, desde la altura de sus 37 años, edad en la que para muchas de sus compañeras de profesión todo empieza a saber a la angustia por el futuro incierto, Rojo se siente "en el mejor momento" de su carrera. Lista para la madurez. "Más sabia físicamente, y en la cúspide de una cima artística".
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"Me siento en el mejor momento de mi carrera. Más sabia físicamente, y en la cúspide de una cima artística"
"Me molesta el cliché que afirma que en el ballet todo va a peor. Somos mejores bailarines que los de hace 50 años"
"Nacho Duato quería hacer una compañía de autor.Y si quieres eso, hazla privada, juégate tú tu propio dinero""A todos nos gusta pensar que aquellos que alcanzan algo tienen que sufrir para lograrlo. Así nos sentimos mejor por no intentarlo"
"El arte puede hacer las preguntas cómodas e incómodas. Ante la crisis moral de esta sociedad, nos ayuda a contestarlas"
No significa eso que la madrileña, nacida por accidente en Montreal como la hija de un ingeniero y una contable, piense disfrutar de "los seis años de baile" que, calcula ella, le quedan dormida en sus laureles de primera bailarina del Royal Ballet de Londres. Conformarse nunca fue su estilo.
Rojo, que ha cumplido este año una década en uno de los puestos más codiciados de una profesión ambiciosa, se prepara para una nueva vida como gestora artística, quién sabe si al frente de la compañía que tantos triunfos suyos ha contemplado. Colabora con el Consejo de las Artes británico ("tras media vida en este país, ya casi me siento de aquí") y se esfuerza, como en la canción de Dionne Warwick, en "saber cuándo marcharse". "Me aterra hacer el ridículo. A este nivel es muy difícil que la gente te diga toda la verdad. Tienden a adularte, pero yo tengo que permanecer alerta".
Pero las elucubraciones sobre su futuro llegarán después. Rojo había aparecido entre la lluvia, sepultada por el incógnito de un abrigo y un sombrero de lana, a su cita en la Royal Opera House, donde la música de Chaikovski había sido sustituida en esta tarde desapacible por el ritmo percutor y escasamente musical de un taladro que se afanaba en el embellecimiento de la platea. Al otro lado, en la bulliciosa plaza, los carteles anunciaban sus futuros éxitos, mientras que en la tienda, los pasados destacaban entre los DVD consagrados a Margot Fonteyn y otras viejas reinas del Covent Garden. Saludó al guarda, que pareció reconocerla a duras penas, y guió sus pasos, anchos y ágiles, a través de las calles hacia un club privado, donde los bailarines de la compañía acuden a relajarse por las noches después de la función: con su aire clandestino parece un buen lugar para hacer el camino de vuelta desde la divinidad de la danza al mundo de los mortales.
Llegaba de posar para el fotógrafo durante horas con complicados trajes de alta costura en un estudio del norte de Londres. Un juego de niños para una mujer acostumbrada al trabajo duro (¡ocho horas diarias de clases y ensayos!) desde que empezó en el ballet a los seis años. "Creo que en general cada vez tenemos menos capacidad de sacrificio", explicará como para disculparse sentada en el borde de un sofá de terciopelo, en posición bien erguida. "Creemos que nos lo merecemos todo. Y creemos que nos lo merecemos a cambio de nada. Hay un concepto muy contemporáneo que dice que el trabajo es el trabajo y que no debe invadir tu vida personal. Que si logras eso, serás un ser humano equilibrado. No estoy totalmente de acuerdo. Una vocación es algo que te llena. Afecta a todo lo que haces".
Ciertamente, ella nunca escatimó esfuerzos para labrarse las conquistas. "Su virtud más destacable es la enorme capacidad de trabajo", explica Ricardo Cué. Hombre de enciclopédico conocimiento coreográfico y uno de los primeros valedores de Tamara Rojo en el mundo del ballet, la conoció "en París cuando ella tenía 18 años". "Y enseguida supe que era una chica especial, de las que no necesitan pasar por el cuerpo de baile para ser primeras bailarinas".
Entonces, Rojo brillaba a las órdenes de Víctor Ullate, el maestro en sus inicios, a cuya compañía llegó por cabezonería catódica. "Estaba viendo un programa en televisión que se llamaba El kiosco", recuerda ella. "Y salían unas niñas bailando. Le dije a mi madre: 'Quiero que me apuntes donde esas niñas estudien'. Ella averiguó que eran de Ullate. Al ingresar en la compañía, me di cuenta de que el ballet era otra cosa que practicar después del cole dos veces por semana, que era algo a lo que se podía uno dedicar con todas sus fuerzas. Luego decidí, como a los 11 o 12 años, que yo estaba llamada para eso".
El resto es historia de la danza europea. La chica ganó un concurso importante en París, justo en la época en la que conoció a Cué. Fue fichada por el Scottish Ballet cuando aún era una jovencita sin conocimientos de inglés ("poco importaba, en Escocia tampoco lo hablan", suele decir en broma). Cuatro años en la compañía fueron suficientes para llamar la atención del English National Ballet. Y cuando se sintió lista para el gran reto del Royal Ballet, la suerte vino a aliarse con ella. "En la compañía en la que yo estaba, el repertorio era muy limitado", recuerda. "Y yo quería algo más... dramático. Contacté con el director [sir Anthony Dowell]. Pedí ingresar un mes de septiembre en el Royal Ballet, pero no tenían contratos para mí en ese momento. Luego me llamaron en enero. Una de sus primeras bailarinas se había ido del ballet bruscamente y se montó un gran escándalo. Y en ese momento, para parar la mala prensa por la súbita partida, me contrataron a mí".
La polémica por su acelerada salida de la antigua compañía (nada grave; con el tiempo, ha acabado bailando regularmente al frente del English National Ballet) atrajo sobre ella la atención de la prensa británica. Londres es una ciudad donde el ballet es cosa seria y en la que sus siete diarios más importantes dedican un espacio preponderante al exigente comentario coreográfico. Pero por eso no cabe preocuparse. Rojo siempre fue una favorita de la prensa ya desde sus inicios, como recuerda Judith Mackrell, crítica de danza del diario The Guardian. "La primera vez que la vi bailar fue con Romeo y Julieta, en el Royal Albert Hall. Me sorprendió enormemente que una chica tan joven y menuda fuese capaz de llenar el espacio tan poderosamente. Desde entonces, su intensidad lírica y su capacidad dramática no han dejado de crecer, así como el hecho de que sigue poseyendo una técnica de acero".
Cué, que promovió su candidatura al Premio Príncipe de Asturias de las Artes (lo recogió en 2005 junto a la veterana Maya Plisétskaya), recuerda emocionado las unánimemente elogiosas críticas recibidas por Rojo el mes pasado gracias a una interpretación de Margarita y Armando, un "antes y un después" en su trayectoria. Solo habían bailado esa pieza antes Margot Fonteyn y Sylvie Guillem (junto a Ana Laguna, la única bailarina a la que la pequeña Tamara pidió en cierta ocasión un autógrafo). Enfrentarse a ella era un reto arriesgado del que, según la crítica, Rojo ha salido "consagrada". "Está viviendo ese momento en que se puede relajar gracias a que ha dominado la técnica y así entregarse al gran arte", opina Cué.
Sus aéreas piruetas no han sido las únicas razones que han hecho a Rojo una habitual de los diarios este año. A la prensa, que disfruta comparándola con Elizabeth Taylor por sus enormes y expresivos ojos, le interesa enormemente tanto su supuesta pugna con la bailarina del Royal Ballet Alina Cojocaru ("nosotras nos llevamos bien; los que no se pueden ni ver son nuestros fans", admite entre risas) como su inesperado interés por colocarse al frente de la compañía como directora, un puesto que al final fue adjudicado a Kevin O'Hare, hombre de perfil burocrático que viene de gestionar los aspectos administrativos. "Yo misma sentí cierta sorpresa al ver que me presentaba", recuerda Rojo. "Pero en realidad fueron los propios seleccionadores los que me empujaron. Y quedé contenta con mi presentación".
Pese a que todos coinciden en que habría sido una pena ver truncada su carrera cuando aún le queda tanto por dar ("Creo que intelectualmente estaba preparada, pero habría resultado una lástima que dejara de bailar", opina la crítica Judith Mackrell), lo cierto es que Rojo lleva años trabajando en ello: "Leyendo tochos de ensayo en los tiempos muertos de los aviones", acudiendo a exposiciones de arte e "intentando aprender los misterios de la gestión" observando trabajar a otros. "El comité valoró mucho mis conocimientos de danza internacional y mis contactos. También apreciaron mi interés por el resto de las artes. Lo hice sobre todo para aprender. Y sí, a lo mejor hubiese sido demasiado pronto. Aunque hay cosas por las que merece sacrificar otras".
Este relato vendría a desmentir las elucubraciones que la situaron más o menos en la misma época en la carrera por la sucesión de Nacho Duato al frente de la Compañía Nacional de Danza (CND), donde le sustituyó, tras dos décadas, José Carlos Martínez, que se halla en los últimos compases de su carrera como bailarín estrella de la Ópera de París. "Yo no pinto nada dirigiendo ese cuerpo", se excusa ella. "Y lo digo sin desmerecer a nadie, porque José Carlos es muy inteligente, tiene mucha experiencia. Y yo no tengo nada que enseñarle".
-¿A qué atribuye que el ballet clásico no cuajara, ni quizá cuaje nunca, en España?
-Hubo un tiempo en que sí se logró, cuando la directora del Ballet Nacional era María de Ávila. De allí salieron grandes estrellas como Arantxa Argüelles o Trinidad Sevillano. Luego, políticamente se decidió que la compañía tenía que ir en una dirección determinada, que era la contemporánea, y pusieron a Nacho Duato. Fue él quien decidió que el ballet clásico no tenía espacio allí. ¿Por qué la gente dejó de ir a ver a la Compañía Nacional después de 20, incluso de 10, y hasta de 5? Porque es un coñazo. Siempre ves lo mismo. No significa que Nacho no sea un buen coreógrafo, lo es, pero en dosis. Como todos. No puedes estar comiendo 20 años el mismo plato. El problema es que nuestras instituciones culturales no tienen responsabilidad. La CND tendría que asegurarse de ofrecer un número suficiente de actuaciones para un número determinado de público. Y esta regla no funcionó en la compañía, porque era muy aburrida. Muy repetitiva. Él quería hacer una compañía de autor, como había visto en la de Jirí Kilyán. Y si quieres una compañía de autor, hazla privada, juégate tú tu propio dinero.
-No parece abundar entre sus compañeros ese interés suyo por el trabajo en la sombra, lejos de los focos...
-Sé que no es lo normal en este gremio, pero ¿qué le vamos a hacer si a mí me interesa la gestión? Yo lo veo como una manera de devolver a la danza todo lo que me ha dado personalmente. Aunque a lo mejor esa pulsión estaba ahí de siempre. El primer espectáculo que fui a ver fue un Lago de los cisnes, que no me gustó nada. Me interesaba hacer ballet, pero no verlo. Yo no sabía que había que bailar en el escenario. ¡Me pareció de un exhibicionismo! No me resultó serio para nada... Menuda era yo.
No es ese el único estereotipo que Rojo incumple. No se ajusta a la imagen de la lánguida bailarina. La contagiosa inquietud intelectual de esta ávida lectora de literatura española y latinoamericana y compulsiva consumidora de cine y teatro quedará patente cuando a mitad de la charla se interese por el libro que porta el periodista. Se trata de Apollo's angels, una historia del ballet con la que la exbailarina Jennifer Homans ha conseguido abrir en el mundo anglosajón un enconado debate en torno al capítulo que cierra el ensayo, en el que se afirma que la danza es un arte muerto, incapaz de adaptarse a los retos de la contemporaneidad.
Coge el libro y lo abre por la mitad. "No leas a partir de aquí", dice con fingido enfado. "Me molesta un poco el cliché que afirma que en el ballet todo va a peor. Somos mejores bailarines que los de hace 50 años. Sin ninguna duda. Tanto físicamente como en lo puramente atlético, tanto en la alimentación como en la musculatura. Artísticamente ya es una cuestión de opiniones, pero a mí me parece que esa señora no ve lo que hacemos nosotros o la Ópera de París. Es más, estoy convencida de que la generación que venga dentro de 20 años será mejor que la mía".
Rojo opina que la disciplina a la que consagró su vida tiene algo que decir, incluso enfundada en sus aparatosos tutús, ante la cruda realidad; también ante eventos tan dramáticos como los disturbios que asolaron su ciudad en verano. "El arte puede aportar lo que aporta siempre. Puede hacer las preguntas cómodas e incómodas. Ante la crisis moral de esta sociedad, viene a ayudarnos a contestar esas preguntas. Todas las historias, pero sobre todo las que sobreviven tanto tiempo, como El lago de los cisnes, sirven de mucho. Desde el punto de vista de un niño homosexual que no es capaz de salir en sociedad, o de la mujer que ansía ser otra cosa, o del soberano que no acepta las responsabilidades de la corona...".
Por eso le resultó tan molesta, como se ha encargado de decir a quien ha querido oírla, la adaptación de Darren Aronofsky al cine, ese Cisne negro que le valió un Oscar a Natalie Portman. "Los críticos la pusieron tan bien porque visualmente era muy bonita. Pero para mí fue una gran desilusión. En cuanto pones un tutú y un par de bailarinas, todo se vuelve súbitamente bello. Pero en cuanto a la película, ya solo como película, los diálogos y todo lo demás son tremendamente torpes". Se enciende cuando recuerda que el director aseguró que Portman había logrado meterse en la piel de una primera bailarina tras solo un año de duro trabajo. "Me parece una falta de respeto hacia esa doble del New York City Ballet que la ayudó en las escenas. Además, yo sé que eso es imposible".
Lo cierto es que el éxito de una película tan truculenta (en el argumento hay episodios de autolesiones, anorexia, acoso sexual y turbias derivadas del amor materno-filial) podría venir a confirmar una cosa: el mundo está dispuesto a creer que una compañía de ballet es un ambiente claustrofóbico, el escenario perfecto para la representación de nuestras peores pesadillas. "Hubo una época en la que probablemente fue bastante parecido a lo que se expone en la película. Hoy en día, por ejemplo, si sufres un desorden alimentario, tu carrera se acaba rápidamente. Creo que a todos nos gusta pensar que aquellos que alcanzan algo tienen que sufrir para lograrlo. Así nos sentirnos mejor por no intentarlo. Como cuando nos divierte ver las fotos de las famosas famosísimas, en la playa, gordas, horrorosas... Genera cierto bienestar. Lo mío es un sacrificio elegido, no impuesto. Esto sería terrible si me obligaran todos los días. Si te sacaran de la cama, te arrastraran y te pusieran a entrenar".
Por suerte para sus seguidores, a Rojo solo le pesa "algunas mañanas", las que siguen a una función especialmente exigente, levantarse de la cama. Ese primer paso de baile de la coreografía diaria. Esa pirueta tan costosa y tan universal. P
t
EL PAIS ES
Voy a necesitar un trasplante y me da miedo"
Sábado 12 de Noviembre de 2011 18:53:35 | El periodista Jorge Lanata, en un reportaje íntimo con la revista Noticias, vuelve a hablar de su salud. Hace 11 años que los médicos le diagnosticaron diabetes y últimamente se hace diálisis tres veces por semana.
Jorge Lanata. | Ampliar imagen
"El médico me dice que deje de fumar, que baje de peso, que me cuide la diabetes, que me cuide el riñón. Por ahora lo único malo que hago es fumar. Ni siquiera tomo alcohol. Soy un Hare Krishna que fuma", le dice al periodista.
Hace unos 15 días Lanata fue noticia no por las peleas con el gobierno sino justamente por su estado de salud: fue intervenido por una insuficiencia renal y le colocaron una fístula para la diálisis que necesita. Ahora cuenta el polémico periodista que le resulta un "garrón" lo de la diálisis. "No me bajoneó porque no pude elegir, es así y no queda otra. De a poco me están dejando de funcionar los riñones y en algún momento me van a dejar de funcionar del todo", confiesa. Y luego habla de lo inevitable: "Voy a necesitar que me trasplanten en algún momento, lo que pasa es que hoy la lógica del trasplante me da miedo. Es todo muy reciente y lo están analizando. Que pase un año o dos, total no pasa nada. Y después me haré un trasplante".
Para someterse a esa operación debería dejar de fumar. Según le confió al cronista estaría dispuesto a hacerlo si se lo piden los médicos. Ahora dice fumar dos atados de cigarrillos por día y por ahora no piensa dejar ese vicio. Afirma que podría dejarlo si quisiera, pero no quiere.
En medio de su delicado estado de salud está el resto de su vida, también intensa. Durante las últimas semanas recibió agresiones mediáticas, cascotazos y nuevos cruces con el Gobierno.
Jorge Lanata está cada día más creyente. Quien hasta no hace mucho se declaraba "buscando a Dios con una linterna casi sin pilas", hoy habla de "un orden que se revela todo el tiempo" y que le cuesta atribuirlo sólo al azar. "Un psicólogo de café diría que es miedo a la muerte, o a la vejez. No sé", escribió el propio Lanata de sí mismo cuando cumplió 40 y descubrió que "vivimos poco", que "el tiempo es un montón de arena que se escurre cada vez más rápido en las manos".
De vuelta en la pantalla
En uno de los momentos más difíciles de su vida Lanata vuelve con un nuevo programa de TV en cable. "26 personas para salvar al mundo", una serie documental que se verá desde el 13 de noviembre por la señal Infinito.
Tras la experiencia que tuvo el año pasado en el mismo canal con "BRIC" -el programa que brindó las claves de por qué Brasil, Rusia, India y China serán las potencias mundiales del futuro-, Lanata viaja por el mundo para mostrar a las personalidades que podrían tener la clave para cambiar el futuro de la humanidad.
Todo comenzará en el Temlen Church de Londres, en el que el periodista encontrará un texto antiguo que aparenta ser una profecía que sostiene que LA NACION
IKER SEISDEDOS 13/11/2011
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Es una estrella de la danza mundial. Acaba de cumplir en la plenitud de su madurez una década como primera bailarina del royal ballet de londres. La crítica y la afición vibran con su talento. Y a ella aún le queda mucho por bailar. La española Tamara Rojo se plantea un nuevo sueño: dirigir la compañía que ha sido testigo de sus mayores triunfos.
Tamara Rojo, la diosa del ballet, la chica que vació el cuerpo para bailar el alma, el cisne de las piruetas y la acróbata poética de la tenaz entrega, siempre, incluso a mitad de su vuelo más imposible, tuvo los pies en el suelo. En todo este tiempo acompañó su legendaria capacidad para clavar su figura menuda, esculpida en duro linóleo, y encadenar 10, 20, 30, decenas y decenas de giros sobre sí misma, con la fama de niña prematuramente cabal. Por eso, desde la altura de sus 37 años, edad en la que para muchas de sus compañeras de profesión todo empieza a saber a la angustia por el futuro incierto, Rojo se siente "en el mejor momento" de su carrera. Lista para la madurez. "Más sabia físicamente, y en la cúspide de una cima artística".
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"Me siento en el mejor momento de mi carrera. Más sabia físicamente, y en la cúspide de una cima artística"
"Me molesta el cliché que afirma que en el ballet todo va a peor. Somos mejores bailarines que los de hace 50 años"
"Nacho Duato quería hacer una compañía de autor.Y si quieres eso, hazla privada, juégate tú tu propio dinero""A todos nos gusta pensar que aquellos que alcanzan algo tienen que sufrir para lograrlo. Así nos sentimos mejor por no intentarlo"
"El arte puede hacer las preguntas cómodas e incómodas. Ante la crisis moral de esta sociedad, nos ayuda a contestarlas"
No significa eso que la madrileña, nacida por accidente en Montreal como la hija de un ingeniero y una contable, piense disfrutar de "los seis años de baile" que, calcula ella, le quedan dormida en sus laureles de primera bailarina del Royal Ballet de Londres. Conformarse nunca fue su estilo.
Rojo, que ha cumplido este año una década en uno de los puestos más codiciados de una profesión ambiciosa, se prepara para una nueva vida como gestora artística, quién sabe si al frente de la compañía que tantos triunfos suyos ha contemplado. Colabora con el Consejo de las Artes británico ("tras media vida en este país, ya casi me siento de aquí") y se esfuerza, como en la canción de Dionne Warwick, en "saber cuándo marcharse". "Me aterra hacer el ridículo. A este nivel es muy difícil que la gente te diga toda la verdad. Tienden a adularte, pero yo tengo que permanecer alerta".
Pero las elucubraciones sobre su futuro llegarán después. Rojo había aparecido entre la lluvia, sepultada por el incógnito de un abrigo y un sombrero de lana, a su cita en la Royal Opera House, donde la música de Chaikovski había sido sustituida en esta tarde desapacible por el ritmo percutor y escasamente musical de un taladro que se afanaba en el embellecimiento de la platea. Al otro lado, en la bulliciosa plaza, los carteles anunciaban sus futuros éxitos, mientras que en la tienda, los pasados destacaban entre los DVD consagrados a Margot Fonteyn y otras viejas reinas del Covent Garden. Saludó al guarda, que pareció reconocerla a duras penas, y guió sus pasos, anchos y ágiles, a través de las calles hacia un club privado, donde los bailarines de la compañía acuden a relajarse por las noches después de la función: con su aire clandestino parece un buen lugar para hacer el camino de vuelta desde la divinidad de la danza al mundo de los mortales.
Llegaba de posar para el fotógrafo durante horas con complicados trajes de alta costura en un estudio del norte de Londres. Un juego de niños para una mujer acostumbrada al trabajo duro (¡ocho horas diarias de clases y ensayos!) desde que empezó en el ballet a los seis años. "Creo que en general cada vez tenemos menos capacidad de sacrificio", explicará como para disculparse sentada en el borde de un sofá de terciopelo, en posición bien erguida. "Creemos que nos lo merecemos todo. Y creemos que nos lo merecemos a cambio de nada. Hay un concepto muy contemporáneo que dice que el trabajo es el trabajo y que no debe invadir tu vida personal. Que si logras eso, serás un ser humano equilibrado. No estoy totalmente de acuerdo. Una vocación es algo que te llena. Afecta a todo lo que haces".
Ciertamente, ella nunca escatimó esfuerzos para labrarse las conquistas. "Su virtud más destacable es la enorme capacidad de trabajo", explica Ricardo Cué. Hombre de enciclopédico conocimiento coreográfico y uno de los primeros valedores de Tamara Rojo en el mundo del ballet, la conoció "en París cuando ella tenía 18 años". "Y enseguida supe que era una chica especial, de las que no necesitan pasar por el cuerpo de baile para ser primeras bailarinas".
Entonces, Rojo brillaba a las órdenes de Víctor Ullate, el maestro en sus inicios, a cuya compañía llegó por cabezonería catódica. "Estaba viendo un programa en televisión que se llamaba El kiosco", recuerda ella. "Y salían unas niñas bailando. Le dije a mi madre: 'Quiero que me apuntes donde esas niñas estudien'. Ella averiguó que eran de Ullate. Al ingresar en la compañía, me di cuenta de que el ballet era otra cosa que practicar después del cole dos veces por semana, que era algo a lo que se podía uno dedicar con todas sus fuerzas. Luego decidí, como a los 11 o 12 años, que yo estaba llamada para eso".
El resto es historia de la danza europea. La chica ganó un concurso importante en París, justo en la época en la que conoció a Cué. Fue fichada por el Scottish Ballet cuando aún era una jovencita sin conocimientos de inglés ("poco importaba, en Escocia tampoco lo hablan", suele decir en broma). Cuatro años en la compañía fueron suficientes para llamar la atención del English National Ballet. Y cuando se sintió lista para el gran reto del Royal Ballet, la suerte vino a aliarse con ella. "En la compañía en la que yo estaba, el repertorio era muy limitado", recuerda. "Y yo quería algo más... dramático. Contacté con el director [sir Anthony Dowell]. Pedí ingresar un mes de septiembre en el Royal Ballet, pero no tenían contratos para mí en ese momento. Luego me llamaron en enero. Una de sus primeras bailarinas se había ido del ballet bruscamente y se montó un gran escándalo. Y en ese momento, para parar la mala prensa por la súbita partida, me contrataron a mí".
La polémica por su acelerada salida de la antigua compañía (nada grave; con el tiempo, ha acabado bailando regularmente al frente del English National Ballet) atrajo sobre ella la atención de la prensa británica. Londres es una ciudad donde el ballet es cosa seria y en la que sus siete diarios más importantes dedican un espacio preponderante al exigente comentario coreográfico. Pero por eso no cabe preocuparse. Rojo siempre fue una favorita de la prensa ya desde sus inicios, como recuerda Judith Mackrell, crítica de danza del diario The Guardian. "La primera vez que la vi bailar fue con Romeo y Julieta, en el Royal Albert Hall. Me sorprendió enormemente que una chica tan joven y menuda fuese capaz de llenar el espacio tan poderosamente. Desde entonces, su intensidad lírica y su capacidad dramática no han dejado de crecer, así como el hecho de que sigue poseyendo una técnica de acero".
Cué, que promovió su candidatura al Premio Príncipe de Asturias de las Artes (lo recogió en 2005 junto a la veterana Maya Plisétskaya), recuerda emocionado las unánimemente elogiosas críticas recibidas por Rojo el mes pasado gracias a una interpretación de Margarita y Armando, un "antes y un después" en su trayectoria. Solo habían bailado esa pieza antes Margot Fonteyn y Sylvie Guillem (junto a Ana Laguna, la única bailarina a la que la pequeña Tamara pidió en cierta ocasión un autógrafo). Enfrentarse a ella era un reto arriesgado del que, según la crítica, Rojo ha salido "consagrada". "Está viviendo ese momento en que se puede relajar gracias a que ha dominado la técnica y así entregarse al gran arte", opina Cué.
Sus aéreas piruetas no han sido las únicas razones que han hecho a Rojo una habitual de los diarios este año. A la prensa, que disfruta comparándola con Elizabeth Taylor por sus enormes y expresivos ojos, le interesa enormemente tanto su supuesta pugna con la bailarina del Royal Ballet Alina Cojocaru ("nosotras nos llevamos bien; los que no se pueden ni ver son nuestros fans", admite entre risas) como su inesperado interés por colocarse al frente de la compañía como directora, un puesto que al final fue adjudicado a Kevin O'Hare, hombre de perfil burocrático que viene de gestionar los aspectos administrativos. "Yo misma sentí cierta sorpresa al ver que me presentaba", recuerda Rojo. "Pero en realidad fueron los propios seleccionadores los que me empujaron. Y quedé contenta con mi presentación".
Pese a que todos coinciden en que habría sido una pena ver truncada su carrera cuando aún le queda tanto por dar ("Creo que intelectualmente estaba preparada, pero habría resultado una lástima que dejara de bailar", opina la crítica Judith Mackrell), lo cierto es que Rojo lleva años trabajando en ello: "Leyendo tochos de ensayo en los tiempos muertos de los aviones", acudiendo a exposiciones de arte e "intentando aprender los misterios de la gestión" observando trabajar a otros. "El comité valoró mucho mis conocimientos de danza internacional y mis contactos. También apreciaron mi interés por el resto de las artes. Lo hice sobre todo para aprender. Y sí, a lo mejor hubiese sido demasiado pronto. Aunque hay cosas por las que merece sacrificar otras".
Este relato vendría a desmentir las elucubraciones que la situaron más o menos en la misma época en la carrera por la sucesión de Nacho Duato al frente de la Compañía Nacional de Danza (CND), donde le sustituyó, tras dos décadas, José Carlos Martínez, que se halla en los últimos compases de su carrera como bailarín estrella de la Ópera de París. "Yo no pinto nada dirigiendo ese cuerpo", se excusa ella. "Y lo digo sin desmerecer a nadie, porque José Carlos es muy inteligente, tiene mucha experiencia. Y yo no tengo nada que enseñarle".
-¿A qué atribuye que el ballet clásico no cuajara, ni quizá cuaje nunca, en España?
-Hubo un tiempo en que sí se logró, cuando la directora del Ballet Nacional era María de Ávila. De allí salieron grandes estrellas como Arantxa Argüelles o Trinidad Sevillano. Luego, políticamente se decidió que la compañía tenía que ir en una dirección determinada, que era la contemporánea, y pusieron a Nacho Duato. Fue él quien decidió que el ballet clásico no tenía espacio allí. ¿Por qué la gente dejó de ir a ver a la Compañía Nacional después de 20, incluso de 10, y hasta de 5? Porque es un coñazo. Siempre ves lo mismo. No significa que Nacho no sea un buen coreógrafo, lo es, pero en dosis. Como todos. No puedes estar comiendo 20 años el mismo plato. El problema es que nuestras instituciones culturales no tienen responsabilidad. La CND tendría que asegurarse de ofrecer un número suficiente de actuaciones para un número determinado de público. Y esta regla no funcionó en la compañía, porque era muy aburrida. Muy repetitiva. Él quería hacer una compañía de autor, como había visto en la de Jirí Kilyán. Y si quieres una compañía de autor, hazla privada, juégate tú tu propio dinero.
-No parece abundar entre sus compañeros ese interés suyo por el trabajo en la sombra, lejos de los focos...
-Sé que no es lo normal en este gremio, pero ¿qué le vamos a hacer si a mí me interesa la gestión? Yo lo veo como una manera de devolver a la danza todo lo que me ha dado personalmente. Aunque a lo mejor esa pulsión estaba ahí de siempre. El primer espectáculo que fui a ver fue un Lago de los cisnes, que no me gustó nada. Me interesaba hacer ballet, pero no verlo. Yo no sabía que había que bailar en el escenario. ¡Me pareció de un exhibicionismo! No me resultó serio para nada... Menuda era yo.
No es ese el único estereotipo que Rojo incumple. No se ajusta a la imagen de la lánguida bailarina. La contagiosa inquietud intelectual de esta ávida lectora de literatura española y latinoamericana y compulsiva consumidora de cine y teatro quedará patente cuando a mitad de la charla se interese por el libro que porta el periodista. Se trata de Apollo's angels, una historia del ballet con la que la exbailarina Jennifer Homans ha conseguido abrir en el mundo anglosajón un enconado debate en torno al capítulo que cierra el ensayo, en el que se afirma que la danza es un arte muerto, incapaz de adaptarse a los retos de la contemporaneidad.
Coge el libro y lo abre por la mitad. "No leas a partir de aquí", dice con fingido enfado. "Me molesta un poco el cliché que afirma que en el ballet todo va a peor. Somos mejores bailarines que los de hace 50 años. Sin ninguna duda. Tanto físicamente como en lo puramente atlético, tanto en la alimentación como en la musculatura. Artísticamente ya es una cuestión de opiniones, pero a mí me parece que esa señora no ve lo que hacemos nosotros o la Ópera de París. Es más, estoy convencida de que la generación que venga dentro de 20 años será mejor que la mía".
Rojo opina que la disciplina a la que consagró su vida tiene algo que decir, incluso enfundada en sus aparatosos tutús, ante la cruda realidad; también ante eventos tan dramáticos como los disturbios que asolaron su ciudad en verano. "El arte puede aportar lo que aporta siempre. Puede hacer las preguntas cómodas e incómodas. Ante la crisis moral de esta sociedad, viene a ayudarnos a contestar esas preguntas. Todas las historias, pero sobre todo las que sobreviven tanto tiempo, como El lago de los cisnes, sirven de mucho. Desde el punto de vista de un niño homosexual que no es capaz de salir en sociedad, o de la mujer que ansía ser otra cosa, o del soberano que no acepta las responsabilidades de la corona...".
Por eso le resultó tan molesta, como se ha encargado de decir a quien ha querido oírla, la adaptación de Darren Aronofsky al cine, ese Cisne negro que le valió un Oscar a Natalie Portman. "Los críticos la pusieron tan bien porque visualmente era muy bonita. Pero para mí fue una gran desilusión. En cuanto pones un tutú y un par de bailarinas, todo se vuelve súbitamente bello. Pero en cuanto a la película, ya solo como película, los diálogos y todo lo demás son tremendamente torpes". Se enciende cuando recuerda que el director aseguró que Portman había logrado meterse en la piel de una primera bailarina tras solo un año de duro trabajo. "Me parece una falta de respeto hacia esa doble del New York City Ballet que la ayudó en las escenas. Además, yo sé que eso es imposible".
Lo cierto es que el éxito de una película tan truculenta (en el argumento hay episodios de autolesiones, anorexia, acoso sexual y turbias derivadas del amor materno-filial) podría venir a confirmar una cosa: el mundo está dispuesto a creer que una compañía de ballet es un ambiente claustrofóbico, el escenario perfecto para la representación de nuestras peores pesadillas. "Hubo una época en la que probablemente fue bastante parecido a lo que se expone en la película. Hoy en día, por ejemplo, si sufres un desorden alimentario, tu carrera se acaba rápidamente. Creo que a todos nos gusta pensar que aquellos que alcanzan algo tienen que sufrir para lograrlo. Así nos sentirnos mejor por no intentarlo. Como cuando nos divierte ver las fotos de las famosas famosísimas, en la playa, gordas, horrorosas... Genera cierto bienestar. Lo mío es un sacrificio elegido, no impuesto. Esto sería terrible si me obligaran todos los días. Si te sacaran de la cama, te arrastraran y te pusieran a entrenar".
Por suerte para sus seguidores, a Rojo solo le pesa "algunas mañanas", las que siguen a una función especialmente exigente, levantarse de la cama. Ese primer paso de baile de la coreografía diaria. Esa pirueta tan costosa y tan universal. P
t
EL PAIS ES
Voy a necesitar un trasplante y me da miedo"
Sábado 12 de Noviembre de 2011 18:53:35 | El periodista Jorge Lanata, en un reportaje íntimo con la revista Noticias, vuelve a hablar de su salud. Hace 11 años que los médicos le diagnosticaron diabetes y últimamente se hace diálisis tres veces por semana.
Jorge Lanata. | Ampliar imagen
"El médico me dice que deje de fumar, que baje de peso, que me cuide la diabetes, que me cuide el riñón. Por ahora lo único malo que hago es fumar. Ni siquiera tomo alcohol. Soy un Hare Krishna que fuma", le dice al periodista.
Hace unos 15 días Lanata fue noticia no por las peleas con el gobierno sino justamente por su estado de salud: fue intervenido por una insuficiencia renal y le colocaron una fístula para la diálisis que necesita. Ahora cuenta el polémico periodista que le resulta un "garrón" lo de la diálisis. "No me bajoneó porque no pude elegir, es así y no queda otra. De a poco me están dejando de funcionar los riñones y en algún momento me van a dejar de funcionar del todo", confiesa. Y luego habla de lo inevitable: "Voy a necesitar que me trasplanten en algún momento, lo que pasa es que hoy la lógica del trasplante me da miedo. Es todo muy reciente y lo están analizando. Que pase un año o dos, total no pasa nada. Y después me haré un trasplante".
Para someterse a esa operación debería dejar de fumar. Según le confió al cronista estaría dispuesto a hacerlo si se lo piden los médicos. Ahora dice fumar dos atados de cigarrillos por día y por ahora no piensa dejar ese vicio. Afirma que podría dejarlo si quisiera, pero no quiere.
En medio de su delicado estado de salud está el resto de su vida, también intensa. Durante las últimas semanas recibió agresiones mediáticas, cascotazos y nuevos cruces con el Gobierno.
Jorge Lanata está cada día más creyente. Quien hasta no hace mucho se declaraba "buscando a Dios con una linterna casi sin pilas", hoy habla de "un orden que se revela todo el tiempo" y que le cuesta atribuirlo sólo al azar. "Un psicólogo de café diría que es miedo a la muerte, o a la vejez. No sé", escribió el propio Lanata de sí mismo cuando cumplió 40 y descubrió que "vivimos poco", que "el tiempo es un montón de arena que se escurre cada vez más rápido en las manos".
De vuelta en la pantalla
En uno de los momentos más difíciles de su vida Lanata vuelve con un nuevo programa de TV en cable. "26 personas para salvar al mundo", una serie documental que se verá desde el 13 de noviembre por la señal Infinito.
Tras la experiencia que tuvo el año pasado en el mismo canal con "BRIC" -el programa que brindó las claves de por qué Brasil, Rusia, India y China serán las potencias mundiales del futuro-, Lanata viaja por el mundo para mostrar a las personalidades que podrían tener la clave para cambiar el futuro de la humanidad.
Todo comenzará en el Temlen Church de Londres, en el que el periodista encontrará un texto antiguo que aparenta ser una profecía que sostiene que LA NACION
Saturday, November 12, 2011
Hacia otra identidad latina
Por Gustavo Santaolalla | Para LA NACION
Ver perfil
Comentá0 El show, en cuanto a puesta en escena, está cada año mejor y en términos musicales fue un buen mensaje de la Academia que ganara Calle 13. Lo mismo la elección de Shakira como personalidad del año, porque es una artista latina que logró un crossover musical manteniendo su identidad. También es interesante que tenga tanta presencia la música norteña de México, que quizá no le interese a demasiada gente en la Argentina, pero a mí me gusta mucho cuando es algo bueno como Los Tigres del Norte o Intocables. Creo que fue uno de los mejores años y la actuación de Calle 13 con Dudamel y la Orquesta Juvenil de Venezuela que fue un mensaje fuerte. En cuanto a mí, he tenido la suerte de tener muchos Grammy latinos y de los anglos, y si había alguien que me gustaba que ganara era Rafa Arcaute. Me alegró porque hace falta gente joven y comprometida con la música. Celebro lo de Calle 13 y lo de él.
Por eso tenemos que medir la presencia argentina y su aporte en Calle 13, que es uno de los elementos muy importantes de ese tuco. Siempre se piensa que no tenemos muchos nominados y hay que recordar que México es un país muy grande, Brasil también y en Estados Unidos la comunidad mexicana tiene una presencia mayor. Sin embargo, debe haber muchísima gente de la industria que debe sentirse mal que hayan ganado esos premios los Calle 13 y deben estar encabronados con la Academia. Para mí es un signo positivo porque cosas como éstas permiten ver otra identidad latina, donde no está separado el continente que va de Alaska a Tierra del Fuego. Hay que entender esto en el contexto del glamour de la industria, pero cuando está hecho bien está hecho bien. Fueron muy buenos días para la historia
Por Gustavo Santaolalla | Para LA NACION
Ver perfil
Comentá0 El show, en cuanto a puesta en escena, está cada año mejor y en términos musicales fue un buen mensaje de la Academia que ganara Calle 13. Lo mismo la elección de Shakira como personalidad del año, porque es una artista latina que logró un crossover musical manteniendo su identidad. También es interesante que tenga tanta presencia la música norteña de México, que quizá no le interese a demasiada gente en la Argentina, pero a mí me gusta mucho cuando es algo bueno como Los Tigres del Norte o Intocables. Creo que fue uno de los mejores años y la actuación de Calle 13 con Dudamel y la Orquesta Juvenil de Venezuela que fue un mensaje fuerte. En cuanto a mí, he tenido la suerte de tener muchos Grammy latinos y de los anglos, y si había alguien que me gustaba que ganara era Rafa Arcaute. Me alegró porque hace falta gente joven y comprometida con la música. Celebro lo de Calle 13 y lo de él.
Por eso tenemos que medir la presencia argentina y su aporte en Calle 13, que es uno de los elementos muy importantes de ese tuco. Siempre se piensa que no tenemos muchos nominados y hay que recordar que México es un país muy grande, Brasil también y en Estados Unidos la comunidad mexicana tiene una presencia mayor. Sin embargo, debe haber muchísima gente de la industria que debe sentirse mal que hayan ganado esos premios los Calle 13 y deben estar encabronados con la Academia. Para mí es un signo positivo porque cosas como éstas permiten ver otra identidad latina, donde no está separado el continente que va de Alaska a Tierra del Fuego. Hay que entender esto en el contexto del glamour de la industria, pero cuando está hecho bien está hecho bien. Fueron muy buenos días para la historia
COPPOLA VIAGRA Y AMOR DE SU VIDA
oppola sigue ´amando` a Maradona
El ex representante de Maradona fue el nuevo invitado a El pueblo quiere saber, ciclo que se emite por Crónica TV. Fiel a su estilo, Guillote respondió con soltura todas las preguntas que le realizaron Teté Coustarot y los 16 panelitas del programa. “Me gustaría ser el manager de Boca”, confesó.
Durante la entrevista, Coppola habló sobre la conflictiva relación que mantiene con Diego Maradona.
“Me molestó mucho que dijera que le robé la plata de sus hijas. Me dolió, no lo esperaba, porque yo era su pierna izquierda, su amigo, su padre.Tuvimos trece audiencias de conciliación y no me quiso dar la mano” .
Ante la pregunta de si haría algo más para reconquistarlo, después de la nueva demanda que inició Maradona, Cóppola fue sincero: “Esperé, llamé, pero hoy no hago nada, pero el dolor sigue, todavía me duele lo que pasó con él”.
A pesar de su bronca acumulada, el ex representante de futbolistas volvió a demostrar que todavía le tiene un gran cariño al 10. Guillote dijo que uno de sus sueños es que Diego lo llame y lo invite a pasar unos días con él en los Emiratos Árabes.
El constante ida y vuelta con Teté y los 14 panelistas hizo que la entrevista tuviera condimentos para todos los gustos.
Muy suelto y divertido, Cóppola contó varias anécdotas: desde sus encuentros con Silvio Berlusconi, Muamar Kadafi y su casi noche soñada con la actriz francesa Catherine Deneuve, hasta cómo se negó a mantener relaciones íntimas con el cantante Elthon John.
Además de admitir que usa Viagra frecuentemente con su pareja, el ex “rey de la noche” manifestó que le encantaría en un futuro cercano ser manager de Boca, el club de sus amores, y tiró una solución para terminar con los barras que tanto mal le hacen al fútbol argentino.
“Los juntaría a todos estos en una cancha para que resuelvan sus feroces internas”, explicó.
Fuente: DiarioShow
MESSI MUY DOLORIDO
tito speranza cae
FLORENCIA URUGUAYA GH
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Rajoy: 'España no necesita tecnócratas, sino buenos gobernantes'
EL CANDIDATO DEL PARTIDO POPULAR A LA PRESIDENCIA DEL GOBIERNO ASEGURÓ, EN UN PABELLÓN ABARROTADO, QUE LIDERARÁ UN EJECUTIVO FIRME, VALIENTE Y DIALOGANTE
LVL / Foto: Ep
sábado, 12 de noviembre de 2011, 15:00
Zaragoza.- El presidente del Partido Popular (PP) y candidato a las próximas elecciones generales, Mariano Rajoy, ha asegurado en Zaragoza que el momento político actual es el "de los buenos gobernantes elegidos por los ciudadanos, que son los representantes de la soberanía nacional", y ha negado que sea "la época de los tecnócratas".
En este sentido, ha rechazado la argumentación de quienes piensan que la caída de los Gobiernos de Italia y Grecia demuestra que "los mercados han ganado a la política" y están "incluso por encima de la soberanía nacional", y ha apostado por "los buenos dirigentes".
"Es lo que necesita España y es lo que necesita Europa", ha proclamado Rajoy en la Plaza de Toros de la Misericordia, en su acto más multitudinario en lo que va de campaña, con más de 10.000 simpatizantes entregados ante las palabras del aspirante a presidente del Gobierno.
Desde Zaragoza, Mariano Rajoy ha querido volver a mandar un mensaje de tranquilidad a Europa, al asegurar que, si gana las elecciones, presidirá un Gobierno que va a "hacer las cosas bien" y va a "estar apoyando el euro". De hecho, ha avisado de que el 20-N lo que se decide es si los españoles dan "un mensaje de confianza dentro de España, en Europa y en el mundo" o si se continúa "instalados en la desconfianza y en la incertidumbre".
Mariano Rajoy se ha llevado los mayores aplausos cuando se ha comprometido a liderar un "Gobierno firme y valiente", que sea "consciente de las consecuencias que pueden provocar las medidas que se toman", y que sea "dialogante". Su Ejecutivo, ha dicho, no estará centrado en "peleas, discusiones y enfrentamientos", sino en crear "unidad en torno a un gran Gobierno nacional".
> En la imagen, el candidato del Partido Popular (PP) a la presidencia del Gobierno, Mariano Rajoy, junto a la presidenta de Aragón, Luisa Fernanda Rudi.
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mario lopez by granitz
oppola sigue ´amando` a Maradona
El ex representante de Maradona fue el nuevo invitado a El pueblo quiere saber, ciclo que se emite por Crónica TV. Fiel a su estilo, Guillote respondió con soltura todas las preguntas que le realizaron Teté Coustarot y los 16 panelitas del programa. “Me gustaría ser el manager de Boca”, confesó.
Durante la entrevista, Coppola habló sobre la conflictiva relación que mantiene con Diego Maradona.
“Me molestó mucho que dijera que le robé la plata de sus hijas. Me dolió, no lo esperaba, porque yo era su pierna izquierda, su amigo, su padre.Tuvimos trece audiencias de conciliación y no me quiso dar la mano” .
Ante la pregunta de si haría algo más para reconquistarlo, después de la nueva demanda que inició Maradona, Cóppola fue sincero: “Esperé, llamé, pero hoy no hago nada, pero el dolor sigue, todavía me duele lo que pasó con él”.
A pesar de su bronca acumulada, el ex representante de futbolistas volvió a demostrar que todavía le tiene un gran cariño al 10. Guillote dijo que uno de sus sueños es que Diego lo llame y lo invite a pasar unos días con él en los Emiratos Árabes.
El constante ida y vuelta con Teté y los 14 panelistas hizo que la entrevista tuviera condimentos para todos los gustos.
Muy suelto y divertido, Cóppola contó varias anécdotas: desde sus encuentros con Silvio Berlusconi, Muamar Kadafi y su casi noche soñada con la actriz francesa Catherine Deneuve, hasta cómo se negó a mantener relaciones íntimas con el cantante Elthon John.
Además de admitir que usa Viagra frecuentemente con su pareja, el ex “rey de la noche” manifestó que le encantaría en un futuro cercano ser manager de Boca, el club de sus amores, y tiró una solución para terminar con los barras que tanto mal le hacen al fútbol argentino.
“Los juntaría a todos estos en una cancha para que resuelvan sus feroces internas”, explicó.
Fuente: DiarioShow
MESSI MUY DOLORIDO
tito speranza cae
FLORENCIA URUGUAYA GH
ACTUALIDAD
Rajoy: 'España no necesita tecnócratas, sino buenos gobernantes'
EL CANDIDATO DEL PARTIDO POPULAR A LA PRESIDENCIA DEL GOBIERNO ASEGURÓ, EN UN PABELLÓN ABARROTADO, QUE LIDERARÁ UN EJECUTIVO FIRME, VALIENTE Y DIALOGANTE
LVL / Foto: Ep
sábado, 12 de noviembre de 2011, 15:00
Zaragoza.- El presidente del Partido Popular (PP) y candidato a las próximas elecciones generales, Mariano Rajoy, ha asegurado en Zaragoza que el momento político actual es el "de los buenos gobernantes elegidos por los ciudadanos, que son los representantes de la soberanía nacional", y ha negado que sea "la época de los tecnócratas".
En este sentido, ha rechazado la argumentación de quienes piensan que la caída de los Gobiernos de Italia y Grecia demuestra que "los mercados han ganado a la política" y están "incluso por encima de la soberanía nacional", y ha apostado por "los buenos dirigentes".
"Es lo que necesita España y es lo que necesita Europa", ha proclamado Rajoy en la Plaza de Toros de la Misericordia, en su acto más multitudinario en lo que va de campaña, con más de 10.000 simpatizantes entregados ante las palabras del aspirante a presidente del Gobierno.
Desde Zaragoza, Mariano Rajoy ha querido volver a mandar un mensaje de tranquilidad a Europa, al asegurar que, si gana las elecciones, presidirá un Gobierno que va a "hacer las cosas bien" y va a "estar apoyando el euro". De hecho, ha avisado de que el 20-N lo que se decide es si los españoles dan "un mensaje de confianza dentro de España, en Europa y en el mundo" o si se continúa "instalados en la desconfianza y en la incertidumbre".
Mariano Rajoy se ha llevado los mayores aplausos cuando se ha comprometido a liderar un "Gobierno firme y valiente", que sea "consciente de las consecuencias que pueden provocar las medidas que se toman", y que sea "dialogante". Su Ejecutivo, ha dicho, no estará centrado en "peleas, discusiones y enfrentamientos", sino en crear "unidad en torno a un gran Gobierno nacional".
> En la imagen, el candidato del Partido Popular (PP) a la presidencia del Gobierno, Mariano Rajoy, junto a la presidenta de Aragón, Luisa Fernanda Rudi.
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Zaragoza.- El presidente del Partido Popular (PP) y candidato a las próximas elecciones generales, Mariano Rajoy, ha asegurado en Zaragoza que el momento político actual es el "de los buenos gobernantes elegidos por los ciudadanos, que son los representantes de la soberanía nacional", y ha negado que sea "la época de los tecnócratas".
En este sentido, ha rechazado la argumentación de quienes piensan que la caída de los Gobiernos de Italia y Grecia demuestra que "los mercados han ganado a la política" y están "incluso por encima de la soberanía nacional", y ha apostado por "los buenos dirigentes".
"Es lo que necesita España y es lo que necesita Europa", ha proclamado Rajoy en la Plaza de Toros de la Misericordia, en su acto más multitudinario en lo que va de campaña, con más de 10.000 simpatizantes entregados ante las palabras del aspirante a presidente del Gobierno.
Desde Zaragoza, Mariano Rajoy ha querido volver a mandar un mensaje de tranquilidad a Europa, al asegurar que, si gana las elecciones, presidirá un Gobierno que va a "hacer las cosas bien" y va a "estar apoyando el euro". De hecho, ha avisado de que el 20-N lo que se decide es si los españoles dan "un mensaje de confianza dentro de España, en Europa y en el mundo" o si se continúa "instalados en la desconfianza y en la incertidumbre".
Mariano Rajoy se ha llevado los mayores aplausos cuando se ha comprometido a liderar un "Gobierno firme y valiente", que sea "consciente de las consecuencias que pueden provocar las medidas que se toman", y que sea "dialogante". Su Ejecutivo, ha dicho, no estará centrado en "peleas, discusiones y enfrentamientos", sino en crear "unidad en torno a un gran Gobierno nacional".
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Zaragoza.- El presidente del Partido Popular (PP) y candidato a las próximas elecciones generales, Mariano Rajoy, ha asegurado en Zaragoza que el momento político actual es el "de los buenos gobernantes elegidos por los ciudadanos, que son los representantes de la soberanía nacional", y ha negado que sea "la época de los tecnócratas".
En este sentido, ha rechazado la argumentación de quienes piensan que la caída de los Gobiernos de Italia y Grecia demuestra que "los mercados han ganado a la política" y están "incluso por encima de la soberanía nacional", y ha apostado por "los buenos dirigentes".
"Es lo que necesita España y es lo que necesita Europa", ha proclamado Rajoy en la Plaza de Toros de la Misericordia, en su acto más multitudinario en lo que va de campaña, con más de 10.000 simpatizantes entregados ante las palabras del aspirante a presidente del Gobierno.
Desde Zaragoza, Mariano Rajoy ha querido volver a mandar un mensaje de tranquilidad a Europa, al asegurar que, si gana las elecciones, presidirá un Gobierno que va a "hacer las cosas bien" y va a "estar apoyando el euro". De hecho, ha avisado de que el 20-N lo que se decide es si los españoles dan "un mensaje de confianza dentro de España, en Europa y en el mundo" o si se continúa "instalados en la desconfianza y en la incertidumbre".
Mariano Rajoy se ha llevado los mayores aplausos cuando se ha comprometido a liderar un "Gobierno firme y valiente", que sea "consciente de las consecuencias que pueden provocar las medidas que se toman", y que sea "dialogante". Su Ejecutivo, ha dicho, no estará centrado en "peleas, discusiones y enfrentamientos", sino en crear "unidad en torno a un gran Gobierno nacional".
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Einstein, original hasta para dar el pésame
Sábado 12 de Noviembre de 2011 08:42:36 |
Carta de Einstein a Robert S. Marcus (7 febrero 1950) | Fuente imagen: Letters of note. | Ampliar imagen
Esta carta de condolencia fue enviada por Einstein a Robert S. Marcus en febrero de 1950. Por aquel entonces Marcus era director político del Congreso Mundial Judío y acababa de perder a su hijo por la polio.
Querido Dr. Marcus,
Un ser humano es una parte de un todo, al que llamamos “Universo”, una parte limitada en el tiempo y el espacio. Él experimenta por si mismo (sus pensamientos y sensaciones) como si estuvieran apartados del resto; una especie de falsa ilusión óptica producida por su consciencia. El esfuerzo necesario para liberarse a uno mismo de esta falsa ilusión es un problema que debe resolver la verdadera religión. No alimentar esta falsa ilusión, sino intentar superarla, es la única forma de alcanzar un nivel de paz mental asequible.
Con mis mejores deseos,
Sinceramente suyo,
Albert Einstein.
Fuente: http://amazings.es/2011/11/11/einstein-original-hasta-para-dar-el-pesame/
Sábado 12 de Noviembre de 2011 08:42:36 |
Carta de Einstein a Robert S. Marcus (7 febrero 1950) | Fuente imagen: Letters of note. | Ampliar imagen
Esta carta de condolencia fue enviada por Einstein a Robert S. Marcus en febrero de 1950. Por aquel entonces Marcus era director político del Congreso Mundial Judío y acababa de perder a su hijo por la polio.
Querido Dr. Marcus,
Un ser humano es una parte de un todo, al que llamamos “Universo”, una parte limitada en el tiempo y el espacio. Él experimenta por si mismo (sus pensamientos y sensaciones) como si estuvieran apartados del resto; una especie de falsa ilusión óptica producida por su consciencia. El esfuerzo necesario para liberarse a uno mismo de esta falsa ilusión es un problema que debe resolver la verdadera religión. No alimentar esta falsa ilusión, sino intentar superarla, es la única forma de alcanzar un nivel de paz mental asequible.
Con mis mejores deseos,
Sinceramente suyo,
Albert Einstein.
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César Maciú,"Balada para un loco", Piazzolla - Ferrer , Tango Argentino. Norberto Vogel en piano.De Chacabuco a Buenos Aires.
Programa de radio de Cesar en imagen y sonido
http://cesarmaciuradio.blogspot.com/
http://www.myspace.com/cesarmaciu
http://cesar-maciu.blogspot.com/
http://www.cesarmaciu.3a2.com/
Cesar Maciú comunicación: http://groups.google.com.ar/group/cesarmaciu
http://cesarmaciudechacabucoabuenosaires.blogspot.com/
ventanadeimagenesCLIKEA para ver AQUI EN ESTE COLOR el link o enlace CLIK CLIK
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Cine Fest Brasil-Montevideo.
Con una sofisticada representación de las dos tendencias que dominan su panorama desde hace años -el retrato de los dramas sociales y las producciones de carácter más cosmopolita- el cine brasileño es protagonista durante una semana en las salas del complejo Hoyts Alfabeta.
Parte del circuito de festivales Inffinito que se organiza también en otras siete ciudades, el Cine Fest Brasil es muestra del empuje con el que dicho país se proyecta desde hace algunos años en el plano internacional, en este caso en el campo de la cultura. Aquí, lo que parece querer demostrar es que su cine -además de la vieja línea inaugurada por los realizadores del cinema novo de los 50 y 60, de fuerte impronta social- ya se despliega por un arco temático amplio que, sin dejar de lado lo local, puede dialogar con las producciones más estandarizadas de Europa.
"El cine brasileño está abriendo su diversidad para abarcar cada vez a más público. Sólo de esa forma se crea una industria audiovisual que permite mantener la producción en todos los géneros, tanto autorales como comerciales", dice Flávia Guimarães, coordinadora del festival.
Así, la programación -13 largos precedidos por sus respectivos cortos- se reparte entre ficción y documental, drama y comedia, representaciones de las clases populares y de la pujante clase media alta. Patas arriba, de Roberto Santucci, es una comedia romántica que tiene por protagonista a una joven profesional. Elza, con dirección de Izabel Jaguaribe y Ernesto Baldan, es un documental sobre la cantante de MPB Elza Soares. Ya exhibida en marzo en el Festival de Cine de Punta del Este, Boca do lixo, de Flávio Frederico, es la adaptación de la biografía de Hiroito, personaje de clase alta que deviene líder criminal de San Pablo en los años 50. También en esa década, pero en Río de Janeiro, se ambienta La suprema felicidad, dirigida por Arnaldo Jabor, que sigue el pasar de una familia de clase media. Vips, de Toniko Melo, es la historia de un impostor que se vuelve adicto a los entornos de clase alta.
En Bróder (Jeferson De) tres amigos de la infancia se reencuentran para descubrir sus destinos divergentes (delincuente, estrella del fútbol, padre de clase media). Arreglar, de Rosane Svartman, es una "comedia romántica adolescente". Como olvidar (Malu de Martino) tiene por protagonista a una profesora de literatura inglesa que debe rehacer su vida amorosa luego de culminar una relación lésbica. Malu de bicicleta, de Flávio Ramos Tambellini (igualmente exhibida en Punta del Este), cruza un empresario mujeriego con una joven aparentemente sencilla pero inalcanzable. Un encuentro similar por lo desparejo plantea País del deseo (Paulo Caldas), pero en este caso, entre una pianista enferma y un religioso capaz de curarla. 180º (Eduardo Vaisman) presenta en forma de rompecabezas para armar la historia de tres intelectuales de Río de Janeiro. Cortina de humo, de Rodrigo MacN iven, es un documental internacional que busca esclarecer la verdadera política respecto a las drogas.
"Trabajamos con un 'menú' de lo producido durante el año en Brasil", dice Guimarães. "Algunas películas se repiten en varias ciudades", explica la productora en referencia a los festivales de Buenos Aires, Miami, Nueva York, Vancouver, Londres, Canudos y Barcelona, pero procuramos respetar las especificidades de cada lugar. Sabemos que en Nueva York gustan mucho los documentales, que en Miami prefieren las comedias, y que aquí y en Buenos Aires los dramas", dice en referencia a la selección, que en este caso tuvo en el equipo de curadores a Fernando Meirelles (director de Cidade de Deus). Además, para la edición de Montevideo se agregó Por el camino, de Charly Braun, ya estrenada en las salas uruguayas: "Llega fuera de concurso por ser una coproducción Brasil-Uruguay, países que acaban de firmar un tratado de cooperación en este plano. Tenemos que unirnos en América del Sur para producir más juntos".
En cuanto al lugar de este circuito de festivales respecto a la promoción internacional de su país, Guimarães es clara: "El objetivo de Inffinito es trabajar para divulgar Brasil y sus productos en el exterior por medio del cine. Son 15 años de realizaciones, así que estoy convencida de que vamos por el buen camino. Tenemos apoyo gubernamental mediante los subsidios que canalizan las leyes de incentivo fiscal. La edición del festival en Montevideo, así como la de Buenos Aires y Londres, tiene patrocinio del Banco Nacional de Desarrollo, el Bndes".
La programación completa del festival está en www.brazilianfilmfestival.com.>
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Con una sofisticada representación de las dos tendencias que dominan su panorama desde hace años -el retrato de los dramas sociales y las producciones de carácter más cosmopolita- el cine brasileño es protagonista durante una semana en las salas del complejo Hoyts Alfabeta.
Parte del circuito de festivales Inffinito que se organiza también en otras siete ciudades, el Cine Fest Brasil es muestra del empuje con el que dicho país se proyecta desde hace algunos años en el plano internacional, en este caso en el campo de la cultura. Aquí, lo que parece querer demostrar es que su cine -además de la vieja línea inaugurada por los realizadores del cinema novo de los 50 y 60, de fuerte impronta social- ya se despliega por un arco temático amplio que, sin dejar de lado lo local, puede dialogar con las producciones más estandarizadas de Europa.
"El cine brasileño está abriendo su diversidad para abarcar cada vez a más público. Sólo de esa forma se crea una industria audiovisual que permite mantener la producción en todos los géneros, tanto autorales como comerciales", dice Flávia Guimarães, coordinadora del festival.
Así, la programación -13 largos precedidos por sus respectivos cortos- se reparte entre ficción y documental, drama y comedia, representaciones de las clases populares y de la pujante clase media alta. Patas arriba, de Roberto Santucci, es una comedia romántica que tiene por protagonista a una joven profesional. Elza, con dirección de Izabel Jaguaribe y Ernesto Baldan, es un documental sobre la cantante de MPB Elza Soares. Ya exhibida en marzo en el Festival de Cine de Punta del Este, Boca do lixo, de Flávio Frederico, es la adaptación de la biografía de Hiroito, personaje de clase alta que deviene líder criminal de San Pablo en los años 50. También en esa década, pero en Río de Janeiro, se ambienta La suprema felicidad, dirigida por Arnaldo Jabor, que sigue el pasar de una familia de clase media. Vips, de Toniko Melo, es la historia de un impostor que se vuelve adicto a los entornos de clase alta.
En Bróder (Jeferson De) tres amigos de la infancia se reencuentran para descubrir sus destinos divergentes (delincuente, estrella del fútbol, padre de clase media). Arreglar, de Rosane Svartman, es una "comedia romántica adolescente". Como olvidar (Malu de Martino) tiene por protagonista a una profesora de literatura inglesa que debe rehacer su vida amorosa luego de culminar una relación lésbica. Malu de bicicleta, de Flávio Ramos Tambellini (igualmente exhibida en Punta del Este), cruza un empresario mujeriego con una joven aparentemente sencilla pero inalcanzable. Un encuentro similar por lo desparejo plantea País del deseo (Paulo Caldas), pero en este caso, entre una pianista enferma y un religioso capaz de curarla. 180º (Eduardo Vaisman) presenta en forma de rompecabezas para armar la historia de tres intelectuales de Río de Janeiro. Cortina de humo, de Rodrigo MacN iven, es un documental internacional que busca esclarecer la verdadera política respecto a las drogas.
"Trabajamos con un 'menú' de lo producido durante el año en Brasil", dice Guimarães. "Algunas películas se repiten en varias ciudades", explica la productora en referencia a los festivales de Buenos Aires, Miami, Nueva York, Vancouver, Londres, Canudos y Barcelona, pero procuramos respetar las especificidades de cada lugar. Sabemos que en Nueva York gustan mucho los documentales, que en Miami prefieren las comedias, y que aquí y en Buenos Aires los dramas", dice en referencia a la selección, que en este caso tuvo en el equipo de curadores a Fernando Meirelles (director de Cidade de Deus). Además, para la edición de Montevideo se agregó Por el camino, de Charly Braun, ya estrenada en las salas uruguayas: "Llega fuera de concurso por ser una coproducción Brasil-Uruguay, países que acaban de firmar un tratado de cooperación en este plano. Tenemos que unirnos en América del Sur para producir más juntos".
En cuanto al lugar de este circuito de festivales respecto a la promoción internacional de su país, Guimarães es clara: "El objetivo de Inffinito es trabajar para divulgar Brasil y sus productos en el exterior por medio del cine. Son 15 años de realizaciones, así que estoy convencida de que vamos por el buen camino. Tenemos apoyo gubernamental mediante los subsidios que canalizan las leyes de incentivo fiscal. La edición del festival en Montevideo, así como la de Buenos Aires y Londres, tiene patrocinio del Banco Nacional de Desarrollo, el Bndes".
La programación completa del festival está en www.brazilianfilmfestival.com.>
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Friday, November 11, 2011
FRADE sábado 12 La Colmena
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Lima Valeria contacto@valerialima.com.uy para LIDIA
mostrar detalles 10:10 (hace 2 horas)
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FIESTA INOLVIDABLE, CON MUY BUENA GASTRONOMIA, FRIA Y CALIENTE Y UN SHOW DE JOVENES TALENTOS IMPERDIBLE.
Organizado por: Ruben Siboldi
Relaciones Públicas - Marketing, GUYAAN
Inicio:
Final: Saturday, 12 de November de 2011 20:00
Saturday, 12 de November de 2011 23:30
(GMT-03:00) Montevideo
Categoría: Arte y Cultura > Concierto
Dirección: CIRCULO POLICIAL
GUAYABO 1606 ESQ. CARLOS ROXLO
Montevideo (Montevideo)
Ruben Siboldi
Relaciones Públicas - Marketing, GUYAAN
Último participante
Ruben Siboldi
Relaciones Públicas - Marketing, GUYAAN
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a los exportadores, importadores industriales y operadores logísticos con interés en el desarrollo de negocios, oportunidades comerciales en América del Sur a la vez de encontrar la solución logística adecuada para su negocio a visitar Expo Bizz 2011 8 a 10 de diciembre en Montevideo - Uruguay. www.expobizz.com
Organizado por: Rafael Pereira
Gerencia Comercial, Mercosoft Consultores
Inicio:
Final: Thursday, 8 de December de 2011 23:54
Saturday, 10 de December de 2011 23:55
(GMT-03:00) Montevideo
Categoría: Reuniones Networking > Inversiones y Finanzas
Dirección: Centro de Exposiciones del LATU
Av.Italia 6201, entre Bolonia y Córcega - Montevideo, Uruguay Montevideo, MONTEVIDEO URUGUAY SUDAMERICA
11500 Montevideo (Montevideo)
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TEATRO-OBRAS GANADORAS DEL CONCURSO DE PROYECTOS TEATRALES.ARGENTINA FIBA 2011
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1) La patria fría, de Andrés Binetti y Mariano Saba
Un circo pobre, en medio de la pampa, aguarda la llegada de sus espectadores, que se acercan desde lejos en el tren solidario de Eva Perón. Bajo esa carpa metamorfoseada con el desierto, el presentador opositor, el ex enano, la contorsionista guaraní, el funambulista alcohólico, el clown cooperativista, el tuerto lanzador de cuchillos y el crítico del pueblo se involucran en una disputa acerca de cómo lograr una mejor convocatoria y hacer que el arte llegue a la gente. La función está por comenzar y los artistas se disponen a desplegar un histrionismo famélico frente al menguado público que les ha tocado en suerte. El tren no llega pero el show debe continuar. Los accidentes se impondrán en medio de la performance y la acción se configurará como un entramado de pequeñas resistencias y traiciones oscuras. La patria fría es el resultado de una indagación sobre la reactualización del grotesco, una búsqueda de un lenguaje teatral contemporáneo inscripto en la herencia formal y temática que dejaron los pioneros de ese género. Binetti y Saba buscaron reponer una estética organizada alrededor del cuerpo exacerbado, despegada de todo realismo o costumbrismo. Con ese mismo objetivo, la puesta en escena se propone recuperar el espacio circular característico del circo tradicional, anulando la “cuarta pared” y volviendo difusa la frontera entre el área de la actuación y de la recepción.
Andrés Binetti es dramaturgo, director y docente universitario. Se formó con Alejandro Tantanian, Daniel Veronese y Mauricio Kartun. Obtuvo el premio Trinidad Guevara en el rubro revelación por la dramaturgia de Llanto de perro. Mariano Saba es actor, dramaturgo formado en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático y Licenciado en Letras de la Universidad de Buenos Aires. Recibió múltiples galardones por sus textos teatrales; trabajó junto a Veronese y Tantanian y participó como actor en numerosas obras como integrante del Grupo de Teatro Nacional de Buenos Aires
2) Esa no fue la intención 2, de Joaquín Bonet
Hace diez años que Joaquín Bonet presentó Esa no fue la intención, una obra acerca de la amistad masculina en el último tramo de la adolescencia, que tuvo una gran repercusión entre los jóvenes de su generación. Ahora Luciano Cáceres, Leonardo Saggese, Sergio Surraco y el mismo Bonet volverán a reunirse para una segunda parte, que develará “lo que pasó después”: los pibes ahora tienen treinta, hace tiempo que no se ven y se reencontrarán para una despedida de soltero. Se suma al grupo Camilo (Ludovico Di Santo), el “tonto” del secundario al que los años lo convirtieron en un canchero de buen pasar. Iván, el rockero, ya no toca y ahora tiene una esposa y tres hijas; en su casa se vive una situación violenta, su familia está quebrada y, mientras tanto, él se obsesiona con una joven menor de edad que conoció en el gimnasio. Juan ahora trabaja en una editorial, se separó de su novia y decidió asumir su homosexualidad. Mauro regresa a Buenos Aires desde Estados Unidos para casarse con una norteamericana. Todo está preparado para que la despedida en la quinta de Camilo sea una fiesta increíble, pero una tormenta licúa los planes y a partir de ahí las cosas se complican. Camilo no tiene tan procesadas las crueldades que le hicieron en el secundario. Mauro, de pronto, no parece tan convencido de casarse. Y Juan e Iván tienen cosas que resolver, todavía. El paso del tiempo ha erosionado algunas relaciones y modificado los roles de antaño dentro del grupo. Esta segunda parte destapará viejos conflictos al mismo tiempo que revelará nuevas complicidades y alianzas.
Joaquín Bonet es dramaturgo, guionista, actor y director. Se formó con Javier Daulte, Mauricio Kartun, Agustín Alezzo y Carlos Gandolfo. Dirigió sus propios textos, entre ellos Testigos, Acercamientos personales 2 y Esa no fue la intención. Realizó cortos cinematográficos y guiones televisivos, y se desempeñó como actor de teatro, cine y televisión.
3) Leonardo. Trabajo Práctico N°1. De Gerardo Hochman
Un grupo de jóvenes universitarios prepara un trabajo de investigación sobre Leonardo da Vinci. Buscando información en libros, los alumnos se van zambullendo en el universo Leonardesco y casi sin darse cuenta se ven envueltos en los temas, las reflexiones, la producción y los aspectos de la personalidad del genio del Renacimiento, convirtiendo todo lo que descubren en escenas de gran carga visual atravesadas por un inquietante y poético contenido expresivo. El teatro de objetos y el circo se combinan con ilustraciones animadas, ejecutadas en tiempo real y con música en vivo inspirada en melodías de la época. Leonardo pretende renovar la curiosidad del espectador en torno a este hombre emblemático de la historia de la humanidad, invitando al público a realizar una visita por los secretos del arte y la ciencia renacentista, a sumergirse en los interrogantes y los sentimientos del siglo XV, a viajar por los vericuetos de la mente de un personaje único.
Gerardo Hochman se formó como mimo con Angel Elizondo, como acróbata con Osvaldo Bermúdez, como actor en la Escuela Municipal de Arte Dramático y como artista de circo en la Escuela Nacional de Circo de Cuba. Además estudió danza y composición coreográfica con Teresa Duggan, Susana Tambutti y Oscar Araíz, y música con Carlos Libedinski. Su formación interdisciplinaria le permitió dar forma a una compañía de circo de características peculiares: La Trup, con la que trabajó entre 1993 y 1995. Desde 1998 dirige la compañía La Arena, integrada por artistas que son a la vez acróbatas, actores y bailarines. Junto a ellos creó Gala, Bellas Artes, Ronda, Fulanos, Sanos y salvos, La vuelta al mundo, Kamuflash y Travelling, con los que obtuvo premios en Argentina y España.
4) Pudor en animales de invierno. De Santiago Loza
Santiago Loza escribió Pudor en animales de invierno hace unos años, bajo la supervisión de Mauricio Kartún, una pieza inspirada en su vida y dedicada a su propio padre. La trama es sencilla, a la vez particular y universal: es la historia de una relación, la de un padre y un hijo. Un hombre viaja desde su pueblo natal a la ciudad para visitar a su hijo y, en un paseo por el zoológico, busca hallar una complicidad que entre ambos nunca existió. Ellos no lo saben pero ése será su último encuentro, su despedida. La única testigo de esa relación particular, del miedo, el pudor y la vergüenza que los distancia, es una mujer, que el joven mantiene encerrada en la heladera. La voz femenina irrumpirá como una reflexión en voz alta, como un diálogo interno, como la evocación de un recuerdo o un sueño recurrente. Lisandro Rodríguez quedó fascinado por el texto de Loza en aquel entonces y ahora es el encargado de llevarlo a escena por primera vez. Su propuesta espacial propone reforzar la simultánea sensación de intimidad y de encierro que viven los personajes; para ello montará un dispositivo escénico que recrea el espacio asfixiante de un pequeño monoambiente de dos pisos, inspirado en las jaulas del zoológico, que permiten ver lo que sucede detrás del vidrio pero siempre albergan zonas oscuras donde los animales pueden refugiarse y escamotear las miradas.
Santiago Loza y Lisandro Rodríguez se conocieron cursando la carrera de dramaturgia en la EMAD (Escuela Metropolitana de Arte Dramático) y desde entonces son entrañables amigos y compañeros de trabajo. Armaron una sala teatral en una ferretería, escribieron piezas de teatro y guiones cinematográficos, estrenaron Asco, La vida terrenal, He nacido para verte sonreír y el díptico Sencilla y Ella merece lo mejor, convirtiéndose, en los últimos cuatro años, en una de dupla joven muy prolífica. Ambos están a cargo del espacio El Elefante Club de Teatro, en el barrio de Palermo.
5) Actividad mental. De Luis Garay y Cia. Buenos Aires
Luis Garay y la Cia. Buenos Aires se han propuesto, esta vez, trabajar sobre el ritual urbano. Los bailarines se reapropiarán de las raíces que impulsan viejos ritos –especialmente latinoamericanos- en donde late el sentido de comunidad, que atravesados por la estética y el pensamiento analítico actual se traducirán en nuevas formas. Campos de fuerza inquiere en el desgarramiento que produce hoy la redefinición del concepto de comunidad, explorando distintas ritualidades: por un lado, las más variadas festividades antiguas –desde los rituales funerarios precolombinos de América Central y Colombia hasta el Día de Muertos en México y los Carnavales del Norte Argentino y su “clásico desentierro”, pasando por las celebraciones de Vírgenes y otras en torno a algunos alimentos. Por otro, las prácticas rituales comunitarias en torno al encuentro teatral; entonces Garay llevará la reflexión al campo del teatro, pretendiendo restaurar la naturaleza de asamblea o de ceremonia grupal que estaba en el origen del fenómeno. En medio de tantas prácticas sociales y tanta teoría, se colarán los objetos del artista plástico Diego Bianchi, que servirán como disparadores para la estructuración de un lenguaje corporal. Como en otros espectáculos del grupo, no faltarán el meticuloso trabajo sobre la estructura ósea y las articulaciones, la disociación de las distintas partes del cuerpo, los diseños espaciales abstractos inspirados en figuras geométricas, las organizaciones gestuales exactas y laberínticas, las repeticiones y las intensiones matemáticamente pensadas.
Luis Garay y la Cia. Buenos Aires trabajan desde 1999 en la producción de propuestas que investigan el cruce de lenguajes, cuestionando los modos de representación escénicos y privilegiando un minucioso trabajo formal sobre el cuerpo. Sus creaciones proyectan una mirada crítica y sensible sobre el mundo actual, enlazando los campos filosófico, científico y artístico. Garay y esta compañía realizaron conjuntamente los espectáculos Ouroboro, The Divine Comedy y Maneries, presentándose en el Festival de Otoño de Madrid, el Queens Theatre in the Park New York, el Balhause Naunystrasse Berlin, el Chase Latino Festival EEUU, la Bienal de Arte SESC de San Pablo, entre otros importantes escenarios del mundo.
6) Pueden dejar lo que quieran. De Fernando Rubio
El público ingresa en un espacio cubierto de ropas: hay prendas en el suelo, en los asientos, en las paredes. El diseño espacial no convencional propone una experiencia sensorial, pues además de ver se podrá tocar, pisar, percibir texturas y olores. El cuadrilátero escénico se irá transformando y, con sólo correr un cortinado, un pequeño grupo de espectadores quedará cercado en una zona íntima, para vivir la obra de manera única y personal. Lo que Fernando Rubio ha propuesto es una obra-instalación (que podrá recorrerse en cualquier momento de día, antes y después de la acción), que permite construir diferentes espacios-acontecimientos. Cada prenda que conforma ese cuadrilátero escenográfico lleva consigo un cartel que cuenta la historia de quienes la usaron: un nombre, una fecha, un lugar de origen. Es la indumentaria de familiares, de amigos del grupo y también de desconocidos que se acercaron para participar con sus vestimentas y sus anécdotas. Quien allí ingrese podrá deambular, detenerse en un detalle o seguir a los personajes. En medio de esta estructura visual e interactiva, una historia será contada por un cuerpo de actores: la de un hombre que, tras perder a su familia, sólo puede reconstruirla escribiendo, silenciosamente, relatos sobre sus ropas.
Fernando Rubio es director, dramaturgo, actor y artista visual. Desde 1998 realiza experiencias en las que el desarrollo visual ocupa el primer plano. Ha presentado sus obras en distintos festivales internacionales teatrales y cinematográficos, teatros, museos, centros de arte y espacios públicos de América Latina y Europa. Sus textos han sido traducidos al inglés, italiano y francés.
PROYECTO CLASICO.
El Área de Teatro del Centro Cultural Ricardo Rojas, a cargo de Matías Umpierrez, convocó a tres directores consagrados con una premisa: adaptar un texto clásico del teatro universal. Los “clásicos” son aquellas obras de grandes autores que, rompiendo con la barrera del tiempo, siguen incentivando su contacto con la escena contemporánea. Generalmente, para montarlos son necesarias costosas facturas de producción, modalidad que desalienta la representación de los mismos en formatos más reducidos. Proyecto Clásico intenta desafiar estos grandes materiales proponiendo una mirada personal, a partir de la adaptación del texto dramático y su conversión en un texto espectacular acotado en sus dimensiones temporo-espaciales. Conforman el proyecto tres obras que comparten una estructura de carácter trágico y un denominador común desde el punto de vista temático: una protagonista que, en diferentes estadios de la vida, se hallará frente al dilema del uso o del abuso del poder político. En calidad de estrenos, se presentan:
Si es amor de verdad, me dirás cuánto entonces
Basado en “Antonio y Cleopatra” de William Shakespeare
Direción: Beatriz Cattani.
Antonio y Cleopatra es una obra excesiva: cinco actos, cuarenta y dos escenas, once espacios y más de treinta y siete personajes. ¿Cómo aproximarse a esta pieza entonces? Beatriz Catani propone reparar en el lenguaje, teniendo en cuenta que “Shakespeare es lenguaje”, con su potencia poética, la fluencia de su ritmo, la vitalidad de su organización que va construyendo la exuberancia de sus mundos.
Curepí.
Basado en “Salomé” de Oscar Wilde
Dirección: Alfredo Ramos
Alfredo Ramos traslada la famosa pieza de Oscar Wilde a una isla del Delta argentino, en 1899, para reparar en las licencias adjudicadas a las hijas del poder en el seno de la aristocracia nacional. Madre e hija de una familia acomodada pasan sus veranos en la casona de Tigre, olvidadas por el padre y esposo, que pocas veces las visita hasta que ro cierta tarde, éste desembarca junto a un banquero inglés.
Hécuba o el gineceo canino
Basado en “Hécuba”, de Eurípides.
Dirección: Emilio García Wehbi
En el texto de Eurípides, los griegos convierten a Hécuba en esclava; y exigen el sacrificio de Políxena, una de sus hijas. En esta versión, Emilio García Wehbi le da un giro sustantivo a la historia: la madre vengadora será ahora una Madre Furia, que no se resigna a cumplir con los designios del destino. El director cruza dos personajes míticos, Hécuba y Medea, y hace que la protagonista rompa con los preceptos morales.
OBRAS DEL INTERIOR.
Pan de cada día (Provincia de Buenos Aires)
Un hombre y una mujer cuentan una historia de amor que puede ser la de cualquiera. El primer encuentro, el flirteo, el enamoramiento y más tarde la boda, la rutina, las discusiones, el distanciamiento. Gabriela Pagés y Mario Marino no utilizan palabra: sólo sus cuerpos, cargados de expresividad, y un poco de agua y harina son necesarios para desplegar imágenes que evocan un universo tan poético como familiar.
La funeraria (Chubut)
El Grupo de Teatro Independiente La Escalera, de Puerto Madryn, recrea la obra de Martín Otero y Bernardo Cappa sobre dos hermanos que heredan la funeraria de su padre, un salón en pésimas condiciones y en desuso. Todo se altera con la llegada de un muerto y la posibilidad de hacer resurgir el negocio en clave de comedia negra.
Javiera, historias que se despliegan (Mendoza)
Una mujer solitaria, hacedora de los más exquisitos dulces de peras, sufre una terrible desgracia: un día su peral no da más frutos. Con el árbol, Javiera también pierde su único propósito en la vida, que es trabajar afanosamente en la preparación de la mermelada perfecta. El encuentro con una niña y la posibilidad de desempolvar viejos cuentos familiares logran torcer su rumbo.
Kruvikas (Misiones)
Este espectáculo de títeres del grupo Kossa Nostra combina sketches humorísticos y números musicales en los que se recuperan personajes típicos y vivencias cotidianas que permiten recomponer un retrato de la argentinidad. Allí estarán desde el gaucho, mito nacional, hasta el chino que apenas esboza un español ininteligible o el mismísimo Charly García expresándose con vehemencia sobre su piano.
De Fierro (Salta)
Una versión libre del Martín Fierro de José Hernández interpretada por títeres mecánicos y de varilla en una puesta de gran formato, con dos niveles escénicos, “efectos especiales” artesanales y más de cincuenta muñecos de todos los tamaños. No es un espectáculo para niños sino especialmente diseñado para adultos.
Carnes Tolendas (Córdoba)
El teatro abre sus puertas para ofrecer un testimonio de la vida real, donde lo masculino y lo femenino habita en un mismo cuerpo. Una actriz travesti se confiesa en escena, atrapada en el universo de las pasiones lorqueanas que dan cuenta de su propia vida.
RETROSPECTIVA / CLAUDIO TOLCACHIR.
En esta oportunidad, el FIBA ha decidido rendir homenaje a la obra del actor, director y dramaturgo Claudio Tolcachir, con una retrospectiva que incluye sus tres creaciones paradigmáticas: La omisión de la familia Coleman, Tercer cuerpo y El viento en un violín. Nacido en Buenos Aires en 1975, Tolcachir comenzó su carrera como actor y participó en más de treinta obras, dirigido por grandes figuras del teatro local como Daniel Veronese, Norma Aleandro, Carlos Gandolfo y Roberto Villanueva, entre otros. Como director fundó la compañía Timbre 4, en 1998, con la que montó piezas de reconocidos dramaturgos, clásicos y contemporáneos, y otras de su propia autoría. En 2001 convirtió su propia casa –una antigua casona tipo “chorizo” del barrio porteño de Boedo- en el espacio cultural Timbre 4, donde presentó por primera vez La omisión de la familia Coleman, pieza que lo reveló como dramaturgo y con la que recorrió los escenarios del mundo. Desde entonces fue aclamado y galardonado por sus trabajos: recibió los premios ACE, Clarín, María Guerrero, Teatros del mundo, Teatro XXI y fue nominado recientemente al premio Konex como uno de los mejores directores de la década. Sus obras se representaron en más de veinte países y fueron traducidas a seis idiomas.
CONVOCATORIA / OBRAS ESTRENADAS EN LA CIUDAD DE BUENOS AIRES.
El jurado integrado por Gustavo Lesgart, Alejandro Ullúa y Alina Mazzaferro dio a conocer la selección de 15 obras de la Ciudad de Buenos Aires que formarán parte de la programación nacional del VIII FIBA.
Los espectáculos son:
Paraná Porá de Maruja Bustamante
El ardor de Marcelo D’Andrea
Un hueco de Juan Pablo Gómez.
Cariño de Mayra Bonard
Los talentos de Agustín Mendilaharzu y Walter Jakob
Rosa mística de Ignacio Apolo
Ala de criados de Mauricio Kartun
Adónde van los muertos (lado B) del grupo Krapp
El secuestro de Isabelita de Daniel Dalmaroni
Amar de Alejandro Catalán
Niños del limbo de Andrea Garrote
Rosa brillando de Juan Parodi
Hombre rebobinado de Margarita Bali
Cómo estar juntos de Diego Manso
Anclar de Fabiana Capriotti
- PROGRAMACION INTERNACIONAL.
ALEMANIA
Thomas Ostermeier y la Schaubühne am Lehniner Platz
Hamlet
Llega a Buenos Aires la aclamada versión de Hamlet, de Shakespeare, creada por el director Thomas Ostermeier, en la que únicamente seis actores componen los más de veinte personajes involucrados en la tragedia, imbuida de proyecciones de video y música. Una mirada descarnada sobre un personaje lleno de contradicciones, pesadillesco y dotado de una renovada fuerza vital. Nacido en 1968, Ostermeier es uno de los referentes centrales del teatro contemporáneo alemán, convertido director residente y miembro de la Dirección Artística de la Schaubühne, una de las compañías europeas más notables desde su creación en 1962 y actualmente la más importante de la capital germana.
ALEMANIA
René Pollesch y la Volksbühne am Rosa Luxemburg-Platz
Ich schau dir in die Augen, gesellschaftlicher Verblendungszusammenhang! (¡Te estoy mirando a los ojos, contexto social de ofuscación!)
Pollesch creó esta obra para y con el actor Fabian Hinrichs. El título proviene de una conferencia que tuvo lugar en la Universidad de Frankfurt para tratar temas relacionados con la subjetividad y la ideología. La pieza es una parodia del teatro interactivo; en ella Hinrichs habla del “teatro interpasivo”, mientras despliega objetos sueltos en el escenario y realiza distintas actividades ante la mirada del público, al que se le niega toda posibilidad de metáfora, historia o sentido.
Pionera en la experimentación teatral, la Volksbühne devino desde su creación en 1913 el foro de la creación escénica de la ex Berlín oriental. Si su primera participación en el FIBA (con el espectáculo Murx. Una velada patriótica en la segunda edición del festival) fue un increíble suceso que aún perdura en la memoria de los espectadores privilegiados que fueron testigos de esta experiencia, esta segunda visita no genera menos expectativas. Esta vez, la agrupación está de regreso con un espectáculo del autor y director René Pollesch (uno de los creadores claves de la dramaturgia alemana actual) a cargo del actor Fabian Hinrichs. Un título hermético (Ich schau dir in die Augen, gesellschaftlicher Verblendungszusammenhang!) que sin embargo toca un tema cercano: las consecuencias de la crisis financiera mundial en la vida cotidiana.
BRASIL
Companhia de Dança de São Paulo
La Compañía de Danza de São Paulo, creada en 2008 por la Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de São Paulo, es una agrupación de repertorio que abarca desde obras emblemáticas de la danza mundial hasta piezas inéditas creadas por diferentes artistas para este conjunto. En su debut porteño interpretará un triple programa compuesto por piezas de renombradas figuras de la danza mundial: Gnawa, del español Nacho Duato, una obra alegre y festival com aires egípcios ; Preludio para la siesta de un fauno, de la canadiense Marie Chouinard; y Sech Tänze, coreografia del notable artista checo radicado en Holanda, Jirí Kylián, com música de Mozart.
CHILE
Guillermo Calderón
Villa + Discurso
Tras el impacto que produjo en el último FIBA, el joven autor y director transandino está de regreso con un programa compuesto por dos obras: Villa muestra a tres mujeres que debaten diferentes alternativas para remodelar Villa Grimaldi, el principal centro clandestino de detención, tortura y exterminio durante la dictadura de Pinochet. Las distintas opciones que plantean expresan las discusiones que hoy atraviesan las organizaciones de derechos humanos en el intento de defender la memoria de las víctimas. En Discurso tres mujeres dan vida a la ex presidenta Michelle Bachelet en un ficticio discurso de despedida al dejar el poder ejecutivo.
CHILE
La amante fascista, de Alejandro Moreno. (Chile)
El pasado histórico es revisitado en esta obra de Alejandro Moreno ganadora del Primer Premio del Concurso Nacional de Dramaturgia 2010, que hace foco en la dictadura chilena pero desde una óptica nueva, la de una mujer trastornada de extrema derecha, ambiciosa y arribista que vive en una villa militar en una provincia del norte de Chile, junto a su hijo. Ella aprovecha la ausencia de su marido –que cumple tareas militares en el exterior- para convertirse en la amante de un oficial de alto grado, que habría liberado al país de las fuerzas revolucionarias. Paulina Urrutia, una de las mejores intérpretes chilenas que además de fue Ministra de Cultura de ese país durante el gobierno de Bachellet, fue muy elogiada por este trabajo en el que recorre una amplia paleta de emociones y estados.
ESPAÑA
Angélica Liddell (España)
Yo no soy bonita
Irreverente, extrema, transgresora, la revelación de la escena española debuta en Buenos Aires con Yo no soy bonita, unipersonal en el que utiliza su propio cuerpo como una forma de agresión a la sociedad, un autocastigo para rebelarse frente a mandatos externos. Ella misma dice: “Me autolesiono para revolverme contra las lesiones que causa el rol que nos han impuesto desde el nacimiento. Utilizo la violencia poética para defenderme de la violencia real”. Un espectáculo que, como afirmó la protagonista, puede herir la sensibilidad del público y con el que ella dio a conocer el abuso sexual del que fue víctima en su juventud, cuando vivía con su familia en un cuartel militar.
ESPAÑA
Estrella Morente (España)
La nueva figura del canto flamenco, mundialmente conocida por interpretar el tango Volver en la película homónima de Pedro Almodóvar, debuta en un escenario porteño con un show en el que fusiona la tradición gitana con elementos actuales. Nacida en 1980 en Granada, la hija del célebre cantaor Enrique Morente y de la bailaora Aurora Carbonell es una de las voces más personales de la escena española con más de cinco discos editados, varios premios y nominaciones. Embajadora del arte flamenco, aclamada no sólo en su tierra donde participó en los más prestigiosos festivales y eventos musicales.
FRANCIA
Peter Brook
Une flûte enchantée (Una flauta mágica)
Considerado uno de los directores contemporáneos más influyentes de la escena mundial, Peter Brook presentará Una Flauta Mágica, versión de la ópera de Mozart que estrenó el año pasado en su teatro de París, y que viene girando con gran éxito por el mundo. Este espectáculo, en el que intervienen actores, cantantes y panistas, acaba de recibir el premio Molière 2011 (máximos galardones de la escena francesa) a la mejor obra de teatro musical.
La crítica del New York Times señaló tras la presentación de la obra en el Lincoln Center Festival: “La pureza, la sencillez y la inocencia son el sello distintivo de esta adaptación. Sin embargo, los hilos filosóficos de la historia- especialmente la búsqueda de Tamino por lograr la sabiduría cuando se encuentra con ella y distinguir si una persona con aparente autoridad es buena o mala- se logran con un extraordinario impacto en esta alegre producción”.
FRANCIA
Patrice Chéreau
Patrice Chéreau lit Le Gran Inquisiteur (Patrice Chéreau lee El gran inquisidor)
Régisseur, cineasta, director de teatro y actor, Patrice Chéreau actuará por primera vez en Buenos Aires con el unipersonal El gran inquisidor, que él mismo creó en base a un fragmento de la novela Los hermanos Karamazov, de Dostoievski. Una oportunidad para descubrir el talento interpretativo del director de películas como La reina Margot, Los que me quieren tomarán el tren e Intimidad; de obras teatrales de autores de la dramaturgia universal como Shakespeare, Racine, Marivaux, Genet, Müller y Koltès ; y también de óperas como Los cuentos de Hoffman, Don Giovanni, Wozzeck y la Tetralogía de Wagner. En este espectáculo, Chéreau no asume un personaje propiamente dicho, sino que relata, texto en mano, los acontecimientos de la narración sobre las acusaciones que un creyente hace a Jesús.
FRANCIA-BURKINA FASO
Medea
Un elenco de actores y cantantes africanos dirigidos por el francés Jean-Louis Martinelli dan vida al drama griego, imbuído en esta versión de la cultura y la historia de la sociedad burkinabé. La acción transcurre en un campo de refugiados: allí la protagonista espera la llegada de Jasón y se relaciona con un imponente coro de voces femeninas.
ITALIA
Compañía Motus
Alexis. Una tragedia griega
La joven agrupación Motus, creada en 1991 por Enrico Casagrande y Daniela Nicolò, dará a conocer un espectáculo de gran impacto sobre la muerte en 2008 de Alexandros Grigoropoulos, un adolescente griego de 15 años asesinado por la policía de su país. Una tragedia que desencadenó un fuerte movimiento de revuelta popular y que el elenco italiano entrecruza con el mito de Antígona.
MÉXICO
La Biznaga Teatro.
Las cajas voyeuristas
Unas amplias cajas irrumpen en el espacio público. Emiten sonidos e invitan a los transeúntes a acercarse, y espiar a través unas ventanas cual testigos privilegiados, las historias que se desarrollan en su interior: cómicas, trágicas, con ribetes históricos o plenamente kitsch.
URUGUAY
Compañía Complot
Chaika
Versión libre de Mariana Percovich de La Gaviota, de Chéjov, centrada en una compañía de actores que tras triunfar en Europa regresa a su ciudad de origen y al viejo teatro donde surgió. Allí se encuentran con los que se quedaron y todos, por distintos motivos, padecen una suerte de encierro. Un diálogo fértil entre la obra del autor ruso y la realidad actual uruguaya, que la crítica del país vecino celebró.
SUIZA
Heiner Goebbels
Eraritjaritjaka
Nacido en 1952, el compositor y director escénico Heiner Goebbels es uno de los más importantes exponentes de la música contemporánea y del teatro musical, caracterizado por un estilo en el que se mezclan géneros diversos como la música clásica, el jazz y el rock. Sus composiciones para grandes orquestas se ejecutan en escenarios del mundo, como también sus trabajos escénicos que conjugan música, interpretación, danza y video. Goebbels participará del FIBA con un montaje que combina de música en vivo, teatro y danza, Eraritjaritjaka, basado en textos de Elías Canetti. Este término es utilizado por los aborígenes australianos para describir un deseo intenso por algo que se ha perdido, un estado de melancolía o de añoranza.
VIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE BUENOS AIRES (FIBA)
Del 24 de septiembre al 8 de octubre
Tuesday, November 08, 2011
LAURA LEGAZCUE EN LA GALERIA DE LOS FAMOSOS 2011
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http://www.forodemirian.com.ar/Laura%20Legazcue.html
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Puerto de Colonia se podría llamar Gardel
Escrito por: LUIS CARRO Colonia
Lunes 07 de noviembre de 2011 | 6:08
Los ediles Sergio Bertón y Nicolás Bonjour, del Partido Colorado, presentaron en la Junta Departamental de Colonia un proyecto para que la nueva terminal portuaria de Colonia del Sacramento lleve el nombre del “zorzal criollo”, Carlos Gardel. Los ediles Bertón y Bonjour explicaron a LA REPÚBLICA que el puerto coloniense es “la entrada y salida más importante de nuestro país”. “Por él transita no solo la mayoría de los turistas argentinos que visitan nuestro país, sino también ciudadanos de las más diversas nacionalidades que cruzan el Río de la Plata en un circuito turístico rioplatense”, señalaron. En cuanto al nombre propuesto consideran que “la posibilidad de difundir la música (de Gardel) en el recinto portuario y también que se pueda exponer su vida y su obra artística, transformaría a nuestra terminal fluvial en un espacio que nos permita difundir nuestra visión de Gardel como rioplatense en cuanto a su desarrollo como artista, pero dejando en claro que es nacido en Tacuarembó, República Oriental del Uruguay.”
“Sería un nuevo y justo homenaje que, además, reconocería esas dos cualidades y las difundiría en forma permanente cada vez que una persona pase por ese lugar”, indicaron los curules. El planteo cuenta con respaldo de ediles del Partido Nacional y del FA.
LR21
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TEATRO
En el Teatro El Galpón se está presentando todos los jueves "Mi madonnita", un espectáculo muy recomendable que a partir del texto del dramaturgo argentino Mauricio Kartun, dirige Graciela Escuder con elenco integrado por Dardo Delgado, Marcos Zarzaj y Soledad Frugone, el espectáculo cuenta con un cuidado juego de luces (a cargo de Héctor Guido e Ignacio Duarte) que carga de matices las escenas. Con pocos elementos escenográficos, Elbio Ferrario compuso un ambiente que permite al espectador sumirse fácilmente en la ficción. Esos aspectos sugestivos son subrayados por el vestuario de Aida Sanz y la música de Miguel Gezzio.by CARLOS REYES en EL PAIS VER NOTA
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DANZA
UNA MUJER QUE SABE VOLAR
http://a-living-legende.blogspot.com/2011/10/una-mujer-que-sabe-volar-malasya-espana.html
ar-malasya-espana.html
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[artistasuruguayosyargentinos] I Jornadas Nacionales de Investigadores Teatrales “Pensar y hacer en las artes escénicas”
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Anibal Nestor Zorrilla anibalzorrilla@yahoo.com.ar a través de yahoogroups.com
mostrar detalles 23:06 (hace 9 horas)
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Amigos, con nuestro Equipo de Investigación del Departamento de Artes del Movimiento participamos de la organización de las I Jornadas Nacionales de Investigadores Teatrales “Pensar y hacer en las artes escénicas”
Es en el Museo Mitre. San Martín 336 (1004) Buenos Aires.
Las directoras de las Jornadas son: Dra. BeatrizTrastoy – Dra. Perla Zayas de Lima.
El Comité Científico está integrado por los Prof. Miguel Ángel Cannone (Universidad de Buenos Aires), Dr. Óscar Cornago (CSIC, Madrid), Dra. Silvia Davini (†) (Universidad de Brasília), Dr. Pablo Moro (Universidad Nacional del Centro-Tandil), Dra. Adriana Musitano (Universidad Nacional de Córdoba), Dra. Isis Saiz (Universidad de Castilla-La Mancha), Dra. María Araceli Soto (Universidad de Buenos Aires, IUNA).
El Comité Organozador por Claudia Barretta (IUNA), María Guillermina Bevacqua (UBA), Pamela Brownell (UBA), Santiago Lima (UNTREF), Ezequiel Lozano (UBA), Leticia Miramontes (IUNA), María Fernanda Pinta (UBA), Aníbal Zorrilla (IUNA). Auspician el Departamento de Artes de la Facultad de Filosofía y Letras (UBA) y la Universidad Nacional de Tres de Febrero.
Nuestro Equipo participa el miércoles 16 a las 13.30 con la Mesa 3. Funciones del ritmo en la danza contemporánea, con las ponencias de Leticia Miramontes (IUNA) “Problemática de la acentuación en la danza”; Claudia Barretta (IUNA) “The man I love, análisis rítmico de una obra de Pina Bausch” y Aníbal Zorrilla (IUNA): “El concepto de embodied meaning de Leonard Meyer, una perspectiva actual”
Además también participa el Equipo de Investigación en Tecnología Aplicada a la Danza InTAD, que dirijo. El InTAD participa el jueves 17 de 10:30 a 12 en la Mesa 5 “La Tecnología Digital Interactiva en el Arte del Movimiento”. Coordina mesa y debate: Ezequiel Lozano. Las ponencias que presentamos son: Aníbal Zorrilla (IUNA), “La interacción en el marco de la tecnología digital”; Analía Domínguez (IUNA). “El cuerpo híbrido en la escena: posibilidades y desafíos”; Maxi Wille (IUNA): “Sistemas interactivos en tiempo real. Softwares Isadora, EyeCon, MaxMsp, Pure Data y otros.”; Valeria Cuesta (IUNA): “La obra de danza con tecnología digital interactiva, marco conceptual y producción artística”; Brisa Muñoz Parra (ARCIS, Chile – Universidad de Barcelona– UNTREF): "Danza y nuevos medios, aproximaciones híbridas al campo de la tecnología. Proyectos de Cía. Caída Libre y Brisa MP"
También participa la Dra. Ludmila Pimentel, de la Universidad de Bahía, Brasil, con quien el InTAD lleva adelante un proyecto de intercambio. Su participación está prevista para el día viernes 18 a las 15.15, con la ponencia “La Coreografía Digital Interactiva: Mujeres Innovadoras en la Historia de la Danza”
Además hay muchas mesas con la participación de 60 artistas e investigadores del área.
Más información y el programa completo:
http://anibalzorrilla.blogspot.com/2011/11/i-jornadas-nacionales-de-investigadores.html
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Tabaré Leyton es un joven y talentoso cantor uruguayo de tangos con una poderosa voz. Posee un amplio rango tímbrico, tonal y emocional. Conjuga estéticas tradicionales con modismos de hoy. También es compositor. Ha actuado en Europa y Medio Oriente. En Buenos Aires cantó con la Orquesta Típica del rio de la Plata y con Andrea Bonelli. Se ha presentado en la Academia de Tango de Horacio Ferrer. Una carrera en ascenso. Una promesa que se está haciendo realidad.
Por Eduardo Paz Carlson, para Espectador.com
El tango se renueva con Tabaré Leyton y este jueves 10 de noviembre es una gran oportunidad para comprobarlo, pues se presenta en al Sala Zitarrosa.
La actuación del jueves será la primera que hará en Uruguay con un espectáculo propio. Allí presentará su primer CD, “La Factoría del Tango”, producido por Max Masri, líder del grupo Tanghetto.
Además de las canciones del disco, Leyton interpretará los tangos clásicos como “La Mariposa”, “Tengo Miedo” y alguno de Edmundo Rivero también.
¿Qué músicos lo van a acompañar en el escenario?
El Trío La Clavija que está integrado por Matías Romero en primera guitarra, Rodrigo “chocho” Mendaro en la segunda guitarra y Eduardo Martínez en guitarra, guitarrón y coros. Después voy a tener el gran honor de que me acompañe al piano Alberto Magnone (gracias al nexo que me hizo Horacio Ferrer con él), que es un pianista que admiré toda mi vida. También va a estar Gabriela Morgare con su voz maravillosa y con quién trabajé mucho, sobre todo en mis presentaciones en Europa y Oriente Medio cantando tangos. Y do guitarras más he invitado: la de Poly Rodríguez y la de Gabriel Federico. Con ellos vamos a tocar algo de lo que hicimos en Qatar hace poco.
Hace poco, en agosto, cantó en el Teatro Solís por primera vez. ¿Cómo fue esa experiencia para usted?
La Orquesta Típica del Rio de la Plata iba dar un concierto en el Luna Park. Antes de ese concierto se presentó en agosto el Solís y yo tuve el honor de ser invitado a cantar con esa tremenda Orquesta que contaba con Fernando Suarez Paz, el violinista de Piazzolla, fue uno de los momentos más importantes de mi carrera.
Se habla de que hay un “neo tango” un “nuevo tango”. ¿Es así realmente, hay un “nuevo tango” sonando en Montevideo y Buenos Aires?
Está la movida del tango electrónico que está un poco separada del tango tradicional. Neo tango hay en milongas europeas o en Buenos Aires y tiene mucho éxito. En Uruguay eso no funciona mucho. Acá yo no he visto muchos shows de neo tango en Montevideo. En el concierto de la Zitarrosa voy a cantar dos temas de tango electrónico: “Milonga Moderna” y “Juego Irreal” pero este concierto los voy a hacer con un trío de guitarras. Es un poco una sorpresa porque Max Masri viene desde Argentina y va a tocar un tema con nosotros… va a ser muy interesante para el público.
¿Cómo definiría usted el neo tango?
Es música electrónica del siglo XXI con reminiscencias tangueras. Me encanta como queda el bandoneón en el neo tango, ¡me encanta! Creo que si Piazzolla hubiera vivido hubiera utilizado en algún momento alguno de esos elementos en sus grabaciones por lo innovador que él fue siempre.
Leyton, usted es cantante y canta letras, poemas tangueros. ¿Qué letristas o poetas son sus preferidos?
Mi poeta favorito del género es Celedonio Flores que produjo mucho en las décadas de 1920 y 1930 y para mí es el mejor. También me gustan muchísimo Eladia Blázquez y Cadícamo.
¿Y de los poetas o letristas de hoy?
Me gustan los muchachos de Tanghetto en los pocos tangos con letra que han hecho. Y en cuanto a letras creo que me dedicaré a componer yo (estoy aprendiendo) porque lo que lo que me pasa con el tango es que después de Horacio Ferrer y hombres así… no hay nadie a su altura o es que yo no he encontrado aún un poeta que me atrape. Si busco en poesía no tanguera me voy a Darnauchans a Benavides, al tacuaremboense Víctor Cunha, a esa gente que trabajó a finales de los setentas y los ochentas. Me gusta mucho un disco de tangos Borges para la música de Piazzolla y la voz de Edmundo Rivero: “El Tango” de 1965. ¡Un discazo!
¿Y las mujeres en el tango?
Mi cantante favorita en el tango es María Graña, para mí es la voz más grande de todos los tiempos. Su canto me parece sublime.
Su aspecto no es el de un tanguero tradicional. En sus presentaciones en vivo y en sus fotos usted parece un crooner de Las Vegas, un cantante melódico moderno ¿Por qué ese look? ¿Tiene algo que ver con su modo de cantar?
Tiene que ver con que yo tengo influencias por afuera del tango y no solo del tango mismo. Hay mucha música en inglés que yo vuelco hacia el tango a nivel tímbrico, la voz, la técnica, etc.
¿Por ejemplo?
Hay cosas que “robo “de Robert Johnson, de Roy Orbison, de Paul McCartney. Principalmente para trabajar en los agudos. Esas cosas las trabajo en el estudio en el canto. También me influencio Darnauchans, Carlitos Benavides, esas “timbricas” yo las tengo, las tomo y las vuelco en los tangos. Con los agudos me pasa eso pero con los graves me inspiro más en los cantantes de tango como Charlo (Carlos José Pérez de la Riestra), Gardel -obviamente- , Magaldi, Corsini. Estudio sus graves. De todos estos cantantes voy tomando y estudiando y así voy construyendo mi propia voz.
ontemple las curvas chinas que sedujeron a Hugh Grant
Asteroide pasara entre la Tierra y la Luna este martes
Avril Lavigne fue atacada y terminó con varias cicatrices
Iggy Pop será el nuevo rostro de perfume de Paco Rabanne
Embajador francés: la lucha contra la evasión fiscal debe ser "muy fuerte", y Sarkozy hablaba por el G-20
ELESPECTADOR
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ALICIA ALONSO
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Escrito por: LUIS CARRO Colonia
Lunes 07 de noviembre de 2011 | 6:08
Los ediles Sergio Bertón y Nicolás Bonjour, del Partido Colorado, presentaron en la Junta Departamental de Colonia un proyecto para que la nueva terminal portuaria de Colonia del Sacramento lleve el nombre del “zorzal criollo”, Carlos Gardel. Los ediles Bertón y Bonjour explicaron a LA REPÚBLICA que el puerto coloniense es “la entrada y salida más importante de nuestro país”. “Por él transita no solo la mayoría de los turistas argentinos que visitan nuestro país, sino también ciudadanos de las más diversas nacionalidades que cruzan el Río de la Plata en un circuito turístico rioplatense”, señalaron. En cuanto al nombre propuesto consideran que “la posibilidad de difundir la música (de Gardel) en el recinto portuario y también que se pueda exponer su vida y su obra artística, transformaría a nuestra terminal fluvial en un espacio que nos permita difundir nuestra visión de Gardel como rioplatense en cuanto a su desarrollo como artista, pero dejando en claro que es nacido en Tacuarembó, República Oriental del Uruguay.”
“Sería un nuevo y justo homenaje que, además, reconocería esas dos cualidades y las difundiría en forma permanente cada vez que una persona pase por ese lugar”, indicaron los curules. El planteo cuenta con respaldo de ediles del Partido Nacional y del FA.
LR21
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TEATRO
En el Teatro El Galpón se está presentando todos los jueves "Mi madonnita", un espectáculo muy recomendable que a partir del texto del dramaturgo argentino Mauricio Kartun, dirige Graciela Escuder con elenco integrado por Dardo Delgado, Marcos Zarzaj y Soledad Frugone, el espectáculo cuenta con un cuidado juego de luces (a cargo de Héctor Guido e Ignacio Duarte) que carga de matices las escenas. Con pocos elementos escenográficos, Elbio Ferrario compuso un ambiente que permite al espectador sumirse fácilmente en la ficción. Esos aspectos sugestivos son subrayados por el vestuario de Aida Sanz y la música de Miguel Gezzio.by CARLOS REYES en EL PAIS VER NOTA
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DANZA
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[artistasuruguayosyargentinos] I Jornadas Nacionales de Investigadores Teatrales “Pensar y hacer en las artes escénicas”
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Anibal Nestor Zorrilla anibalzorrilla@yahoo.com.ar a través de yahoogroups.com
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Amigos, con nuestro Equipo de Investigación del Departamento de Artes del Movimiento participamos de la organización de las I Jornadas Nacionales de Investigadores Teatrales “Pensar y hacer en las artes escénicas”
Es en el Museo Mitre. San Martín 336 (1004) Buenos Aires.
Las directoras de las Jornadas son: Dra. BeatrizTrastoy – Dra. Perla Zayas de Lima.
El Comité Científico está integrado por los Prof. Miguel Ángel Cannone (Universidad de Buenos Aires), Dr. Óscar Cornago (CSIC, Madrid), Dra. Silvia Davini (†) (Universidad de Brasília), Dr. Pablo Moro (Universidad Nacional del Centro-Tandil), Dra. Adriana Musitano (Universidad Nacional de Córdoba), Dra. Isis Saiz (Universidad de Castilla-La Mancha), Dra. María Araceli Soto (Universidad de Buenos Aires, IUNA).
El Comité Organozador por Claudia Barretta (IUNA), María Guillermina Bevacqua (UBA), Pamela Brownell (UBA), Santiago Lima (UNTREF), Ezequiel Lozano (UBA), Leticia Miramontes (IUNA), María Fernanda Pinta (UBA), Aníbal Zorrilla (IUNA). Auspician el Departamento de Artes de la Facultad de Filosofía y Letras (UBA) y la Universidad Nacional de Tres de Febrero.
Nuestro Equipo participa el miércoles 16 a las 13.30 con la Mesa 3. Funciones del ritmo en la danza contemporánea, con las ponencias de Leticia Miramontes (IUNA) “Problemática de la acentuación en la danza”; Claudia Barretta (IUNA) “The man I love, análisis rítmico de una obra de Pina Bausch” y Aníbal Zorrilla (IUNA): “El concepto de embodied meaning de Leonard Meyer, una perspectiva actual”
Además también participa el Equipo de Investigación en Tecnología Aplicada a la Danza InTAD, que dirijo. El InTAD participa el jueves 17 de 10:30 a 12 en la Mesa 5 “La Tecnología Digital Interactiva en el Arte del Movimiento”. Coordina mesa y debate: Ezequiel Lozano. Las ponencias que presentamos son: Aníbal Zorrilla (IUNA), “La interacción en el marco de la tecnología digital”; Analía Domínguez (IUNA). “El cuerpo híbrido en la escena: posibilidades y desafíos”; Maxi Wille (IUNA): “Sistemas interactivos en tiempo real. Softwares Isadora, EyeCon, MaxMsp, Pure Data y otros.”; Valeria Cuesta (IUNA): “La obra de danza con tecnología digital interactiva, marco conceptual y producción artística”; Brisa Muñoz Parra (ARCIS, Chile – Universidad de Barcelona– UNTREF): "Danza y nuevos medios, aproximaciones híbridas al campo de la tecnología. Proyectos de Cía. Caída Libre y Brisa MP"
También participa la Dra. Ludmila Pimentel, de la Universidad de Bahía, Brasil, con quien el InTAD lleva adelante un proyecto de intercambio. Su participación está prevista para el día viernes 18 a las 15.15, con la ponencia “La Coreografía Digital Interactiva: Mujeres Innovadoras en la Historia de la Danza”
Además hay muchas mesas con la participación de 60 artistas e investigadores del área.
Más información y el programa completo:
http://anibalzorrilla.blogspot.com/2011/11/i-jornadas-nacionales-de-investigadores.html
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Tabaré Leyton es un joven y talentoso cantor uruguayo de tangos con una poderosa voz. Posee un amplio rango tímbrico, tonal y emocional. Conjuga estéticas tradicionales con modismos de hoy. También es compositor. Ha actuado en Europa y Medio Oriente. En Buenos Aires cantó con la Orquesta Típica del rio de la Plata y con Andrea Bonelli. Se ha presentado en la Academia de Tango de Horacio Ferrer. Una carrera en ascenso. Una promesa que se está haciendo realidad.
Por Eduardo Paz Carlson, para Espectador.com
El tango se renueva con Tabaré Leyton y este jueves 10 de noviembre es una gran oportunidad para comprobarlo, pues se presenta en al Sala Zitarrosa.
La actuación del jueves será la primera que hará en Uruguay con un espectáculo propio. Allí presentará su primer CD, “La Factoría del Tango”, producido por Max Masri, líder del grupo Tanghetto.
Además de las canciones del disco, Leyton interpretará los tangos clásicos como “La Mariposa”, “Tengo Miedo” y alguno de Edmundo Rivero también.
¿Qué músicos lo van a acompañar en el escenario?
El Trío La Clavija que está integrado por Matías Romero en primera guitarra, Rodrigo “chocho” Mendaro en la segunda guitarra y Eduardo Martínez en guitarra, guitarrón y coros. Después voy a tener el gran honor de que me acompañe al piano Alberto Magnone (gracias al nexo que me hizo Horacio Ferrer con él), que es un pianista que admiré toda mi vida. También va a estar Gabriela Morgare con su voz maravillosa y con quién trabajé mucho, sobre todo en mis presentaciones en Europa y Oriente Medio cantando tangos. Y do guitarras más he invitado: la de Poly Rodríguez y la de Gabriel Federico. Con ellos vamos a tocar algo de lo que hicimos en Qatar hace poco.
Hace poco, en agosto, cantó en el Teatro Solís por primera vez. ¿Cómo fue esa experiencia para usted?
La Orquesta Típica del Rio de la Plata iba dar un concierto en el Luna Park. Antes de ese concierto se presentó en agosto el Solís y yo tuve el honor de ser invitado a cantar con esa tremenda Orquesta que contaba con Fernando Suarez Paz, el violinista de Piazzolla, fue uno de los momentos más importantes de mi carrera.
Se habla de que hay un “neo tango” un “nuevo tango”. ¿Es así realmente, hay un “nuevo tango” sonando en Montevideo y Buenos Aires?
Está la movida del tango electrónico que está un poco separada del tango tradicional. Neo tango hay en milongas europeas o en Buenos Aires y tiene mucho éxito. En Uruguay eso no funciona mucho. Acá yo no he visto muchos shows de neo tango en Montevideo. En el concierto de la Zitarrosa voy a cantar dos temas de tango electrónico: “Milonga Moderna” y “Juego Irreal” pero este concierto los voy a hacer con un trío de guitarras. Es un poco una sorpresa porque Max Masri viene desde Argentina y va a tocar un tema con nosotros… va a ser muy interesante para el público.
¿Cómo definiría usted el neo tango?
Es música electrónica del siglo XXI con reminiscencias tangueras. Me encanta como queda el bandoneón en el neo tango, ¡me encanta! Creo que si Piazzolla hubiera vivido hubiera utilizado en algún momento alguno de esos elementos en sus grabaciones por lo innovador que él fue siempre.
Leyton, usted es cantante y canta letras, poemas tangueros. ¿Qué letristas o poetas son sus preferidos?
Mi poeta favorito del género es Celedonio Flores que produjo mucho en las décadas de 1920 y 1930 y para mí es el mejor. También me gustan muchísimo Eladia Blázquez y Cadícamo.
¿Y de los poetas o letristas de hoy?
Me gustan los muchachos de Tanghetto en los pocos tangos con letra que han hecho. Y en cuanto a letras creo que me dedicaré a componer yo (estoy aprendiendo) porque lo que lo que me pasa con el tango es que después de Horacio Ferrer y hombres así… no hay nadie a su altura o es que yo no he encontrado aún un poeta que me atrape. Si busco en poesía no tanguera me voy a Darnauchans a Benavides, al tacuaremboense Víctor Cunha, a esa gente que trabajó a finales de los setentas y los ochentas. Me gusta mucho un disco de tangos Borges para la música de Piazzolla y la voz de Edmundo Rivero: “El Tango” de 1965. ¡Un discazo!
¿Y las mujeres en el tango?
Mi cantante favorita en el tango es María Graña, para mí es la voz más grande de todos los tiempos. Su canto me parece sublime.
Su aspecto no es el de un tanguero tradicional. En sus presentaciones en vivo y en sus fotos usted parece un crooner de Las Vegas, un cantante melódico moderno ¿Por qué ese look? ¿Tiene algo que ver con su modo de cantar?
Tiene que ver con que yo tengo influencias por afuera del tango y no solo del tango mismo. Hay mucha música en inglés que yo vuelco hacia el tango a nivel tímbrico, la voz, la técnica, etc.
¿Por ejemplo?
Hay cosas que “robo “de Robert Johnson, de Roy Orbison, de Paul McCartney. Principalmente para trabajar en los agudos. Esas cosas las trabajo en el estudio en el canto. También me influencio Darnauchans, Carlitos Benavides, esas “timbricas” yo las tengo, las tomo y las vuelco en los tangos. Con los agudos me pasa eso pero con los graves me inspiro más en los cantantes de tango como Charlo (Carlos José Pérez de la Riestra), Gardel -obviamente- , Magaldi, Corsini. Estudio sus graves. De todos estos cantantes voy tomando y estudiando y así voy construyendo mi propia voz.
ontemple las curvas chinas que sedujeron a Hugh Grant
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Embajador francés: la lucha contra la evasión fiscal debe ser "muy fuerte", y Sarkozy hablaba por el G-20
ELESPECTADOR
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ALICIA ALONSO
C
Sunday, November 06, 2011
El amor… todo lo sufre, todo lo cree,
todo lo espera, todo lo soporta.
1 Corintios 13:7.
Por tanto,
todo lo soporto por amor de los escogidos.
2 Timoteo 2:10.
La Perfección del Amor
El amor todo lo sufre. Nunca disculpa el mal; sin embargo no rechaza a aquel que lo comete, sino que lo advierte. Ayuda a llevar la carga de los que sufren, siente el dolor de aquellos a quienes ama, y aun está dispuesto a soportar las consecuencias de las faltas de ellos.
El amor todo lo cree. No es cínico. El odio cree lo peor, pero el amor cree lo mejor. Cree que el mal será confesado y perdonado, y que quien lo cometió se arrepentirá y volverá a Dios. Cuando alguien obra mal, el deseo del amor siempre es ayudarle a levantarse.
El amor todo lo espera. Es capaz de ello porque pone su confianza en el Dios vivo, quien hace milagros. Un hermoso ejemplo de tal amor es el de los padres cristianos que siempre tienen la esperanza de que su hijo extraviado se vuelva a Dios. Esperan y oran, porque aman a su hijo.
El amor todo lo soporta. El verbo empleado en griego designa en particular la manera en que una tropa de soldados mantiene una posición vital a toda costa y hasta el final. El amor aguanta por aquellos a quienes ama. Se mantiene firme a pesar de la oposición, sin cansarse de creer o esperar. ¿Dónde halla tal fuerza? En Jesús, quien todo lo soportó: la contradicción, la soledad, el odio, el sufrimiento extremo, el abandono de Dios. Ahora él está junto a Dios, lejos del mal, pero permanece cerca de los que creen en él, quienes a su vez pueden soportarlo todo gracias a la fuerza que viene de él. [continuará...]
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El 16 de octubre de 2011 12:08, alvaro escribió:
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From: RainmakerCav
Date: Sun, 16 Oct 2011 03:37:33 -0300
To: E-Grupo Difusión CAV
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Subject: (cav) El Viejo Sabio - Don Filemon - Inconsciente Colectivo - El Mago
El Viejo Sabio - Don Filemon - Inconsciente Colectivo - El Mago serían todos
nombres adjudicados a una fuerza arquetipica con la cual podemos de
alguna manera comunicarnos.
El I-Ching le llama Viejo Sabio.
Carl Jung se comunicaba en sus meditaciones con una figura que se le
aparecia y le enseñaba, y le llamo Don Filemon, otras tantas culturas le
han apodado de diferentes maneras, Thot, Hermes, etc...
En otro correo mando mas informacion, en la Biografia de Carl Jung,
como asi tambien un programa que utilizo que se llama ICHI que
es para hacer consultas oraculares al Viejo Sabio.
Namaste
Nelson
Viejo sabio
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Viejo sabio
Retrato de hombre anciano, de Leonardo da Vinci.
El Viejo sabio, Anciano sabio, oSenex, que en latín significa hombre viejo, es un arquetipo de loInconsciente colectivo descrito porCarl Gustav Jung. También denominado el Arquetipo del anciano o Arquetipo del sentido. Es a su vez un clásico de la figura literaria, y puede considerarse como un personaje tipo.
Contenido
1 Definición
2 Carácter
3 Véase también
4 Referencias
5 Bibliografía
Definición
En la Psicología analítica de Carl Gustav Jung ejemplos del arquetipo Senex en su forma positiva incluyen al Viejo sabio o a la figura del Mago.
El mago es sinónimo del viejo sabio, que se remonta en línea directa a la figura del hechicero de la sociedad primitiva. Es, como el Ánima, un demon inmortal, que ilumina con la luz del sentido las caóticas oscuridades de la vida pura y simple. Es el iluminador, el preceptor y maestro, un psicopompo (conductor de almas), a cuya personificación no pudo escapar ni siquiera el «destructor de las tablas», Nietzsche, puesto que declaró portador y proclamador de su propia iluminación y éxtasis «dionisíacos» a su encarnación en Zaratustra, ese espíritu superior de una era casihomérica.
Carl Gustav Jung. Obra completa. Volumen 9/I. Los arquetipos y lo inconsciente colectivo.1
Pero como todo arquetipo incluye su polaridad, éste puede aparecer también en su forma negativa como un padre devorador, ejemplificado en la Mitología griega a través de Urano, o Crono, o también puede aparecer como la típica figura de un viejo estúpido.
Al hacer la experiencia de ese arquetipo, el hombre moderno vive la más antigua forma del pensar como una actividad autónoma, cuyo objeto es uno mismo. Otras formulaciones de la misma experiencia son Hermes Trismegisto o el Thoth de la literatura hermética, Orfeo, el Poimandres y, emparentado con éste, el Pastor de Hermas. Si no se tuviese ya un juicio previo sobre el nombre de «Lucifer», esa sería la denominación adecuada para este arquetipo. Por eso me he limitado a llamarle arquetipo del viejo sabio o del sentido. Como todos los arquetipos, éste también tiene un aspecto positivo y uno negativo.
Carl Gustav Jung. Obra completa. Volumen 9/I. Los arquetipos y lo inconsciente colectivo.2
El arquetipo antitético, u opuesto enantiodrómico, del Senex es el Puer aeternus, con las implicaciones psicopatológicas que ello conlleva respecto de la Pederastia o Paidofilia.
Carácter
Este tipo de carácter es por lo general representado como un sabio, como aquella figura del padre anciano que utiliza su conocimiento personal de la gente y del mundo para ayudarse a contar historias y ofrecer orientación, que de una manera mística, puede impresionar a su audiencia al mostrar quienes son y en qué se convertirán, actuando de este modo como un mentor. Puede aparecer de forma ocasional como la figura del profesor de mente distraída, perdiendo el control de su entorno a causa de lo absorto de sus pensamientos.
Ilustración de la obra de Lord Alfred Tennyson “Idylls of the King”, de Gustave Doré, 1868.
El anciano sabio es visto a menudo de alguna manera como un extranjero, es decir, de una cultura, nación, u ocasionalmente incluso, de un tiempo diferente, cuya función es la de asesoramiento. En casos extremos, puede ser representado en un estado liminal, como Merlín, que era mitad humano.
En el romance medieval caballeresco y en la fantasía moderna aparece frecuentemente como mago. En las mismas obras, puede figurar también como un ermitaño, el cual a menudo explicaba a los caballeros— en particular aquellos que buscaban elSanto Grial— la importancia de sus encuentros.
Jung apodó este personaje como Senex. Es la expresión en latín para el viejo anciano en general, pero de hecho, se pueden distinguir dos patrones del mismo arquetipo:
el senex iratus, un anciano que irracionalmente se opone al amor de los carácteres más jóvenes,
y el senex amans, un anciano tontamente enamorado de una mujer demasiado joven para él.
El senex, a diferencia de estos carácteres, ha envejecido gentilmente. Su sabiduría no solo se ha incrementado en conocimiento y juicio, sino que ha sabido reconocer que la juventud ha asumido el papel del heroe, y que su posición ha cambiado a una de mentor.
Merlín cayó de su función de senex a la de senex amans cuando se enamoró de Nimue. Este lapso del juicio es lo que le llevó a ser encantado y encarcelado.
El «anciano sabio» aparece en sueños como mago, médico, sacerdote, maestro, profesor, abuelo o como cualquier persona dotada de autoridad. El arquetipo del espíritu en figura de hombre, de gnomo o de animal se presenta en situaciones en que haría falta visión de las cosas, comprensión, buen consejo, decisión, previsión, etc., pero no se puede conseguir por propios medios. El arquetipo compensa ese estado de carencia espiritual con contenidos que rellenan el espacio vacio.
Carl Gustav Jung. Obra completa. Volumen 9/I. Los arquetipos y lo inconsciente colectivo.3
Véase también
Psicología analítica
Referencias
↑ Carl Gustav Jung. Obra completa. Volumen 9/I. Los arquetipos y lo inconsciente colectivo. Capítulo 1: Sobre los arquetipos de lo inconsciente colectivo, página 36, párrafo 77.
↑ C. G. Jung. O. C. 9/I. Capítulo 1, página 37, párrafo 79.
↑ C. G. Jung. O. C. 9/I. Capítulo 8: Acerca de la fenomenología del espíritu en los cuentos populares, página 200, párrafo 398.
Bibliografía
Jung, Carl Gustav (2002). Obra completa. Volumen 9/I: Los arquetipos y lo inconsciente colectivo. Madrid: Editorial Trotta. ISBN 978-84-8164-524-8/ ISBN 978-84-8164-525-5.
Young-Eisendrath, Polly, y Dawson, Terence (1999/2003). Introducción a Jung. Madrid: Akal Cambridge. ISBN 978-84-8323-048-0.
El contenido de esta página (o parte de ella) fue extraído de wikipedia y puede redistribuirse libremente bajo la licencia de documentación libre GNU
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esto es todas tus quejas, todos tus sueños, todos tus
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Cuidate de lo que piensas y fundamentalmente de aquello que
sientes en este momento presente, puesto que eso es lo que
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1 Corintios 13:7.
Por tanto,
todo lo soporto por amor de los escogidos.
2 Timoteo 2:10.
La Perfección del Amor
El amor todo lo sufre. Nunca disculpa el mal; sin embargo no rechaza a aquel que lo comete, sino que lo advierte. Ayuda a llevar la carga de los que sufren, siente el dolor de aquellos a quienes ama, y aun está dispuesto a soportar las consecuencias de las faltas de ellos.
El amor todo lo cree. No es cínico. El odio cree lo peor, pero el amor cree lo mejor. Cree que el mal será confesado y perdonado, y que quien lo cometió se arrepentirá y volverá a Dios. Cuando alguien obra mal, el deseo del amor siempre es ayudarle a levantarse.
El amor todo lo espera. Es capaz de ello porque pone su confianza en el Dios vivo, quien hace milagros. Un hermoso ejemplo de tal amor es el de los padres cristianos que siempre tienen la esperanza de que su hijo extraviado se vuelva a Dios. Esperan y oran, porque aman a su hijo.
El amor todo lo soporta. El verbo empleado en griego designa en particular la manera en que una tropa de soldados mantiene una posición vital a toda costa y hasta el final. El amor aguanta por aquellos a quienes ama. Se mantiene firme a pesar de la oposición, sin cansarse de creer o esperar. ¿Dónde halla tal fuerza? En Jesús, quien todo lo soportó: la contradicción, la soledad, el odio, el sufrimiento extremo, el abandono de Dios. Ahora él está junto a Dios, lejos del mal, pero permanece cerca de los que creen en él, quienes a su vez pueden soportarlo todo gracias a la fuerza que viene de él. [continuará...]
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Date: Sun, 16 Oct 2011 03:37:33 -0300
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El Viejo Sabio - Don Filemon - Inconsciente Colectivo - El Mago serían todos
nombres adjudicados a una fuerza arquetipica con la cual podemos de
alguna manera comunicarnos.
El I-Ching le llama Viejo Sabio.
Carl Jung se comunicaba en sus meditaciones con una figura que se le
aparecia y le enseñaba, y le llamo Don Filemon, otras tantas culturas le
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Nelson
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Viejo sabio
Retrato de hombre anciano, de Leonardo da Vinci.
El Viejo sabio, Anciano sabio, oSenex, que en latín significa hombre viejo, es un arquetipo de loInconsciente colectivo descrito porCarl Gustav Jung. También denominado el Arquetipo del anciano o Arquetipo del sentido. Es a su vez un clásico de la figura literaria, y puede considerarse como un personaje tipo.
Contenido
1 Definición
2 Carácter
3 Véase también
4 Referencias
5 Bibliografía
Definición
En la Psicología analítica de Carl Gustav Jung ejemplos del arquetipo Senex en su forma positiva incluyen al Viejo sabio o a la figura del Mago.
El mago es sinónimo del viejo sabio, que se remonta en línea directa a la figura del hechicero de la sociedad primitiva. Es, como el Ánima, un demon inmortal, que ilumina con la luz del sentido las caóticas oscuridades de la vida pura y simple. Es el iluminador, el preceptor y maestro, un psicopompo (conductor de almas), a cuya personificación no pudo escapar ni siquiera el «destructor de las tablas», Nietzsche, puesto que declaró portador y proclamador de su propia iluminación y éxtasis «dionisíacos» a su encarnación en Zaratustra, ese espíritu superior de una era casihomérica.
Carl Gustav Jung. Obra completa. Volumen 9/I. Los arquetipos y lo inconsciente colectivo.1
Pero como todo arquetipo incluye su polaridad, éste puede aparecer también en su forma negativa como un padre devorador, ejemplificado en la Mitología griega a través de Urano, o Crono, o también puede aparecer como la típica figura de un viejo estúpido.
Al hacer la experiencia de ese arquetipo, el hombre moderno vive la más antigua forma del pensar como una actividad autónoma, cuyo objeto es uno mismo. Otras formulaciones de la misma experiencia son Hermes Trismegisto o el Thoth de la literatura hermética, Orfeo, el Poimandres y, emparentado con éste, el Pastor de Hermas. Si no se tuviese ya un juicio previo sobre el nombre de «Lucifer», esa sería la denominación adecuada para este arquetipo. Por eso me he limitado a llamarle arquetipo del viejo sabio o del sentido. Como todos los arquetipos, éste también tiene un aspecto positivo y uno negativo.
Carl Gustav Jung. Obra completa. Volumen 9/I. Los arquetipos y lo inconsciente colectivo.2
El arquetipo antitético, u opuesto enantiodrómico, del Senex es el Puer aeternus, con las implicaciones psicopatológicas que ello conlleva respecto de la Pederastia o Paidofilia.
Carácter
Este tipo de carácter es por lo general representado como un sabio, como aquella figura del padre anciano que utiliza su conocimiento personal de la gente y del mundo para ayudarse a contar historias y ofrecer orientación, que de una manera mística, puede impresionar a su audiencia al mostrar quienes son y en qué se convertirán, actuando de este modo como un mentor. Puede aparecer de forma ocasional como la figura del profesor de mente distraída, perdiendo el control de su entorno a causa de lo absorto de sus pensamientos.
Ilustración de la obra de Lord Alfred Tennyson “Idylls of the King”, de Gustave Doré, 1868.
El anciano sabio es visto a menudo de alguna manera como un extranjero, es decir, de una cultura, nación, u ocasionalmente incluso, de un tiempo diferente, cuya función es la de asesoramiento. En casos extremos, puede ser representado en un estado liminal, como Merlín, que era mitad humano.
En el romance medieval caballeresco y en la fantasía moderna aparece frecuentemente como mago. En las mismas obras, puede figurar también como un ermitaño, el cual a menudo explicaba a los caballeros— en particular aquellos que buscaban elSanto Grial— la importancia de sus encuentros.
Jung apodó este personaje como Senex. Es la expresión en latín para el viejo anciano en general, pero de hecho, se pueden distinguir dos patrones del mismo arquetipo:
el senex iratus, un anciano que irracionalmente se opone al amor de los carácteres más jóvenes,
y el senex amans, un anciano tontamente enamorado de una mujer demasiado joven para él.
El senex, a diferencia de estos carácteres, ha envejecido gentilmente. Su sabiduría no solo se ha incrementado en conocimiento y juicio, sino que ha sabido reconocer que la juventud ha asumido el papel del heroe, y que su posición ha cambiado a una de mentor.
Merlín cayó de su función de senex a la de senex amans cuando se enamoró de Nimue. Este lapso del juicio es lo que le llevó a ser encantado y encarcelado.
El «anciano sabio» aparece en sueños como mago, médico, sacerdote, maestro, profesor, abuelo o como cualquier persona dotada de autoridad. El arquetipo del espíritu en figura de hombre, de gnomo o de animal se presenta en situaciones en que haría falta visión de las cosas, comprensión, buen consejo, decisión, previsión, etc., pero no se puede conseguir por propios medios. El arquetipo compensa ese estado de carencia espiritual con contenidos que rellenan el espacio vacio.
Carl Gustav Jung. Obra completa. Volumen 9/I. Los arquetipos y lo inconsciente colectivo.3
Véase también
Psicología analítica
Referencias
↑ Carl Gustav Jung. Obra completa. Volumen 9/I. Los arquetipos y lo inconsciente colectivo. Capítulo 1: Sobre los arquetipos de lo inconsciente colectivo, página 36, párrafo 77.
↑ C. G. Jung. O. C. 9/I. Capítulo 1, página 37, párrafo 79.
↑ C. G. Jung. O. C. 9/I. Capítulo 8: Acerca de la fenomenología del espíritu en los cuentos populares, página 200, párrafo 398.
Bibliografía
Jung, Carl Gustav (2002). Obra completa. Volumen 9/I: Los arquetipos y lo inconsciente colectivo. Madrid: Editorial Trotta. ISBN 978-84-8164-524-8/ ISBN 978-84-8164-525-5.
Young-Eisendrath, Polly, y Dawson, Terence (1999/2003). Introducción a Jung. Madrid: Akal Cambridge. ISBN 978-84-8323-048-0.
El contenido de esta página (o parte de ella) fue extraído de wikipedia y puede redistribuirse libremente bajo la licencia de documentación libre GNU
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Piensas con tu Mente Beta, pero SIENTES con tu Mente Alfa
que es una mente integrada y completa, y vive en Unidad con
su entorno. Beta normalmente esta enferma, llena de
dualidades, y solo un proceso de decantación y limpieza la
prepara para actividades de mejor envergadura en otros planos
mas adecuados de energía.
Recuerda que: Atraes a tu entorno TODO LO QUE PIENSAS,
esto es todas tus quejas, todos tus sueños, todos tus
sentimientos y pensamientos: se asientan.
Segun esta regla: "Pensar, es darle forma a la mente"
como nos decia el Yogui Sivananda.
Cuidate de lo que piensas y fundamentalmente de aquello que
sientes en este momento presente, puesto que eso es lo que
atraes a tu vida en este momento...
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